PSYQUÉBÉLIQUE

Léveillée - Gagnon 1965

2011-10-19T20:37:00.171-04:00

Le 9 juin 2011 est décédé Claude Léveillée. Il était grand temps que Psyquébélique dédit un article à ce que plusieurs d'entre nous considère comme son meilleur l'album: "Léveillée - Gagnon".

Pour beaucoup de Québécois, "Léveillée - Gagnon" sera leur premier introduction au Jazz. Sans avoir de chiffre de vente exacte, il est fort à parier que "Léveillée - Gagnon" est l'album Jazz le plus connu au Québec.

L'année de sa sortie, nous somme en 1965, au tout début de la vague Yé-yé. Les chansonniers ont encore la cote. La radio de Radio-Canada diffuse chaque semaine en direct de l'Ermitage, une émission nommé "Jazz en liberté". L'étiquette de disque Colombia est sur le point de faire paraître un étonnant album instrumental du comédien jouant Cloclo dans l'émission pour enfant Domino. Un certain Claude Léveillée.

Il s'agissait de son sixième album en carrière (si on exclu les disques pour enfant). C'est une des rares fois où Léveillée a fait un enregistrement Jazz. Il a frappé tout un coup de circuit. Pour l'occasion il s'était entouré des meilleurs Jazzmen québécois de l'époque. On retrouve une impressionnante brochette de musiciens dont plusieurs ayant eux une carrière solo: Nick Ayoub, Yvan Landry, Roger Simard.

On a souvent décrit le style de Claude Léveillée sur cet album comme à mi-chemin entre la musique classique et le Jazz. Certain amateur de Jazz ne le trouve pas assez Jazz justement. Une chose est sûr, personne ne nira que cet album est un bijou.

Fait intéressant, il existe plusieurs similitudes entre "Léveillée - Gagnon" 1965 et l'album "1 voix 2 pianos" 1967. On dirait presque une suite dans le cas de "1 voix 2 pianos".

Premièrement, les deux sont parut sur l'étiquette Colombia. Deuxièmement, dans les deux cas, Léveillée fit appel à André Gagnon comme deuxième piano et aux arrangements.

Troisièmement, les deux ensembles sont des septets accompagné d'une voix a capella. À chaque fois les septets était composé de: 2 pianos, 1 vibraphone, 1 saxophone, 1 accordéon, 1 contrebasse, 1 batterie. Donc un son plutôt faible en cuivre. Peut-être est-ce la raison de la sonorité souvent classique ?

Remarquez par contre la composition différente de "1 voix 2 pianos". Outre Léveillée et André Gagnon, seul Yvan Landry et Nicole Perrier seront présent au deux enregistrements. Lee Gagnon remplacera Nick Ayoub au saxophone. Buddy Hampton remplacera Roger Simard à la batterie. Remarquez également qu'un seul contrebassiste (Frank Vogel) avait fait tout les enregistrements sur "1 voix 2 pianos" contrairement au deux utilisé pour "Léveillée - Gagnon".

Autre fait digne de mention; l'année précédent la sortie de "Léveillée - Gagnon", Claude Léveillée avait fait la trame sonore du film "Trouble-Fête" 1964 de Pierre Patry. On peut y entendre les premières ébauches des pièces Douze I et Douze II. Il est amusant de comparer les deux versions.

Prenons Douze II. La version de 1964 avait été étrangement joué en duo batterie/piano. Le résultat est très percussif. Pour la version de 1965, le vibraphone récupèrera beaucoup des notes de la batterie et la pièce s'adoucira.

Douze II

"Baie des sables" est de loin ma préférée. Elle met vraiment en valeur le saxophoniste Nick Ayoub et la voix de Nicole Perrier.

La pièce la plus connu est sa version instrumentale de Frédéric. Sans aucun doute sa pièce la plus populaire en carrière. Ce qui frappe d'emblée est le son des pianos. Un son très percussif et répétitif, on dirait presque une piano mécanique. L'accordéon de Gord Fleming ajoute une touche mélancolique.

La pièce "Poisson" m'a toujours fait penser à "Aquarium" de Camille Saint-Saëns. L'ambience aquatique, la rapidité du jeux et les notes aiguës.

"Silence" est une des meilleures compo selon moi. D'abord pour l'intro au vibraphone qui nous mets l'eau à la bouche. Puis embarque le piano, la contrebasse et l'accompagnement tout en subtilité de la batterie de Roger Simard. Finalement le rythme s'accélère et la flûte de Nick Ayoub s'ajoute.

À part pour Douze I et Douze II, l'album contient une autre pièces en deux parties: Rupture. "Rupture I" sonne vraiment comme une balade piano mélancolique qui doit plus au classique qu'au Jazz. Quand "Rupture II" enchaîne par contre, on est vraiment plus dans le même registre. La batterie et le saxophone viennent tout changer, sans parler du solo de contrebasse.

"Source" est une pièce entraînante qui vous fera tapper du pied.

Léveillée était maître dans l'art de vous foutre l'angoisse lorsque vous écoutiez sa musique. "Carousel" est un bon exemple de ce genre de pièce avec son thème répétitif et mélancolique.

Psyquébélique a réussi à dénicher une superbe copie scellé pour vous, cher lecteurs. Je m'excuse d'avance auprès des puristes, il s'agit par contre de la version stéréo.

MP3: Télécharger l'album complet

Mister Lewis / Patsy Gallant 1968

2011-09-11T19:21:00.020-04:00

Voici une intéressante pièce de la longue carrière de Patsy Gallant. Une agréable surprise pour tout amateur de Soul.

Décidément ici, Patsy Gallant était bien entouré. Pour ce 45t qui parut sur Barclay, elle eu l'aide de deux des meilleurs compositeurs & arrangeurs de l'époque: Stéphane Venne ET Paul Baillargeon.

Pour ceux qui l'ignore, en 1968 Stéphane Venne était auteur/compositeur/interprète qui avait déjà fait paraître trois albums à son nom.; tous avec une touche jazzée. Mais il travaillait alors presque qu'exclusivement à composer des chansons pour d'autres; avec beaucoup de succès. Mentionnont Renée Claude, Pauline Julien, Pierre Lalonde, Emmanuël, Isabelle Pierre.

Paul Baillargeon quand à lui, était/est un des meilleurs arrangeurs du Québec. Peu d'arrangeur québécois peuvent se vanter d'avoir travaillé pour une étiquette de disque aussi prestigieuse que Barclay ! Il travailla avec les plus grand nom de la chanson d'ici (J.P. Ferland, Céline Dion, Ginette Reno); composa plusieurs trames sonores de série Télé (La misère des riche 1990, Montréal ville ouverte 1992, Star Trek: Voyager, Enterprise, Deep Space 9).

Les collectionneurs de vinyles connaissent Paul Baillargeon surtout pour les deux trames sonores de film érotique qu'il composa en 1970 et 1971.

Bref deux maîtres aidèrent Patsy Gallant à faire ce simple. Mais reste à savoir qui a fait quoi précisément ?

Mister Lewis est une compo originale. Originale mais disons très inspiré de The "In" Crowd de Ramsey Lewis (d'où le nom Mister Lewis). La pièce commence avec un fondu audio d'un atmosphère de bar comme l'enregistrement de Lewis en trio "Live at the Bohemian Caverns in Washington DC". L'ajout de cuivres de Baillargeon en font une pièce plus Soul que Mod Jazz.

De plus, dans les paroles ont sent clairement une sympathie pour la culture afro-américaine:

"...Qu'est-ce qu'ils peuvent bien avoir tous ces musiciens noirs"

"il n'y pas de pianiste blanc qui rendent les gens plus heureux que ça"

La face A est une reprise de "Best of Both World" de Lulu (1968). La musique avait été composé par le britannique Mark London mais aussi bien dire John Barry.

On parle ici d'une sorte de pop orchestrée au Son riche, presque symphonique. De gros moyen de productions comme on en a rarement entendu au Québec. À qui de mieux que Paul Baillargeon pour confier ce genre de pièce ?

Sa version est très fidèle à l'original. Faut dire que l'original était parfaite à la base, alors pourquoi changé une formule gagnante ?

Ce n'était pas la seule fois que Venne et Baillargeon travailleront ensemble. On peut les retrouver sur le 45t paru l'année précédente sur Colombia: P.B. 3 1/2.

MP3: Téléchargez le 45t

Psyquébélique à CIBL

2011-06-30T08:41:00.026-04:00

Les 29 juin et 6 novembre 2011, l'émission de radio Mondo PQ faisait un spécial jazz et l'on m'a gentiment demandé d'en faire parti.

Mondo PQ est mon émission de radio préférée. Elle est diffusée sur les ondes de CIBL 101,5. La case horaire de l'été 2011, était tous les mercredi soir de 19h à 20h. Mais depuis septembre, c'est tout les dimanches matin de 10h à 11h. Les animateurs sont mes collègues et amis Mimi la twisteuse et Sébastien Desrosiers. On peut y entendre une foule de raretés musicales québécoise. Le sous-titre de l'émission est d'ailleurs "l'envers du rétro".

Psyquébélique vous encourage à aller faire un tour sur leur site et consulter la section archives si vous ne connaissez pas l'émission ou si vous avez manqué une diffusion. La playlist de l'émission à laquelle j'ai participé est dans la section commentaires ci-dessous.

Écoutez l'émission du 29 juin 2011:

Écoutez l'émission du 6 novembre 2011

MP3:
Téléchargez l'émission du 29 juin
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Marcel Lévèque / Paysage du Québec 1967

2011-05-03T05:54:00.287-04:00

Marcel Lévèque est surtout connu comme l'arrangeur de "Un jour, un jour" de Stéphane Venne (thème de l'exposition universelle de 1967 tenue à Montréal).

1967 a définitivement été une année faste pour lui. Premièrement, il reçu une certaine notoriété indirecte grâce au succès de "Un jour, un jour" et de ses nombreuses adaptations.

Deuxièmement, cette année-là, l'étiquette Sélect (pour laquelle il travaillait) fait paraître l'album "3-12" (3 arrangeurs, 12 chansonniers). Ce disque se voulait une sorte de showcase des trois talentueux arrangeurs de l'étiquette Sélect. On retrouvait le nom de Marcel Lévèque aux côtés de ceux de Paul de Margerie et Neil Chotem. Les trois hommes y revisitaient des chansons québécoises populaires, en version symphonique pour la plupart. Les arrangements de Lévèque se distinguaient favorablement du lot selon moi car ils étaient plus pop et jazzés.

Et finalement, 1967 c'est surtout l'année ou est paru "Paysage du Québec" de Marcel Lévèque. À ma connaissance cet album est le seul mettant Marcel Lévèque en vedette.

Sur la pochette, on le voit jouer du flügelhorn pour une fois (au lieu d'être derrière à diriger les musiciens).

J'écris "album" mais techniquement c'est un EP. En effet ce disque a également la particularité de faire partie de la série "Mini-Micro"de l'étiquette Sélect et donc est un 7 pouces en 33 tours. J'imagine que Mini-Micro était un diminutif pour microsillon miniature. C'est un format assez inusité réservé généralement au disques pour enfants ou disques religieux (du moins, dans le cas de l'étiquette Sélect).

Mais revenons à la musique. Le disque contient six pièces en tout (trois de chaque côtés). Comme Lévèque fera l'année même sur l'album "3-12", il revisite des chansons connues. Mais cette fois, en plus d'arrangements Jazz (Les bums, Notre sentier, Sur les trottoirs), il fera aussi dans le Latin/Bossa (Un jour un jour, Mon pays). Disons que Lévèque peint un paysage du Québec par moment tropicale. En changeant de tempo et en intégrant des instruments comme le Marimba et le Clave à des pièces archi-connus, il arrive à en créer des versions méconnaissables.

Prenons l'exemple de "Un jour, un jour". Il est intéressant de comparer les diverses versions que Lévèque fera de cette chanson. Alors que sa version originale pour Stéphane Venne était disons ... Yéyé; sur l'album "3-12" il fit une sorte de jazz variété/burlesque. Puis, sur "Paysage du Québec", on a droit à une version Bossa. Après avoir entendu ces deux dernières versions, on trouve l'originale nettement plus fade.

L'album est pratiquement instrumental mais, autre particularité, Marcel Lévèque est accompagné d'un choeur dirigé par Raymond Berthiaume.

En écoutant vous remarquerez que le choeur prend des libertés avec le texte original des chansons. À certains moments on omet volontairement plusieurs couplets pour chanter a cappella la vaste majorité des paroles; ou bien on modifie carrément les paroles originales. Le meilleur exemple serait dans son adaptation de la célèbre chanson "Mon pays" de Gilles Vigneault. On peut entendre la phrase suivante: "Mon pays... c'est la plaine" (au lieu de "...c'est l'hiver").

Mon pays (extrait) / Marcel Lévèque & G. Vigneault

Somme toute, au niveau vocal, le travail de Raymond Berthiaume est très bien exécuté et le résultat rappelle un peu les Swingle Singers.

En 1967, Raymond Berthiaume était déjà un vieux routier pour ce qui est des ensembles vocaux. Après avoir "crooné" avec son groupe Les 3 Bars, chanté avec son "Quatuor vocal et instrumental", Berthiaume était allé jusqu'à fonder sa compagnie "Les Productions Raymond-Berthiaume". Il s'y spécialisait dans l'enregistrement de choeurs pour des commerciaux radio et télé. Il réalisera même en 1969 un album choral intitulé "Plein choeur sur les Bel Canto" dont mon collègue Sébastien de Patrimoine PQ a déjà discuté.

Lévèque avait aussi fait appel au choeur de Berthiaume pour ses pièces sur "3-12" comme en fait foi la liste du personnel à l'endo.

On sent vraiment un lien de parenté entre ces deux albums. J'oserais même affirmer que "Paysage du Québec" est une extension de "3-12" dans le cas de Marcel Lévèque.

En regardant cette liste, l'on peut aussi constater l'incroyable bassin de talent dans lequel Lévèque a pu piger pour "3-12".

Malheureusement, aucuns musiciens n'est crédités sur "Paysage du Québec". Mais on est en droit de croire que la liste du personnel ne soit pas trop différente de celle de 3-12; ne serait-ce que par le fait que ces deux enregistrements ont été fait par le même arrangeur, la même année et pour la même étiquette de disque.

Aucune biographie de Marcel Lévèque n'existe, mais selon mes informations, il jouait aussi de la trompette (en plus du flügelhorn).

En 1960 (sept ans plus tôt), Paul de Margerie l'aurait trouvé assez bon pour l'engager comme trompettiste de studio aux côtés de très gros noms du jazz d'ici.

Un mystère persiste par contre. Est-ce que Lévèque jouait lui-même trompette/flügelhorn sur chacunes des pièces de "Paysage du Québec" ? Car il faut préciser, la plupart des morceaux sur ce disque mettent en vedette un soliste à la trompette ou au flügelhorn. D'accord, on a la preuve qu'il savait jouer de la trompette. On le voit bien aussi avec un flügelhorn sur la pochette de "Paysage du Québec".

Mais sur "3-12", une seule des quatres pièces qu'il avait arrangées spécifiait qu'il était soliste à la trompette ou au flügelhorn. Les trois autres morceaux n'ont, soit aucun soliste, soit Lévèque avait fait appel à Bix Belair pour la trompette.

Il n'est pas rare de voir un arrangeur ou compositeur déléguer à d'autres le soin de jouer un instrument qu'il sait lui-même jouer et ce, même sur un disque portant son nom. Les arrangeurs côtoient tellement de (bons) musiciens de studio dans leur travail. Un morceau portera leur empreinte malgré ce détail. Certains tiennent à jouer eux-mêmes, d'autres non. La photo de Lévèque sur la pochette de "Paysage du Québec" était-elle une façon de dire qu'il était LE soliste ? On sait qu'il en était capable.

En écoutant la seule pièce sur laquelle on est sûr que Lévèque jouait à cette époque; on peut constater à quel point il était capable de subtilité au flügelhorn. On dirait presque Miles Davis sur "Kind of Blue".

Les colombes (extrait) / Marcel Lévèque - P. Létourneau

Selon moi il avait le talent pour être soliste et il a probablement dû l'être au moins sur quelques morceaux de "Paysage du Québec", mais lesquels ?

En résumé, combinez les arrangements Jazz de Marcel Lévèque, avec Lévèque comme soliste à la trompette/flûgelhorn ET rajoutez un choeur de Raymond Berthiaume et vous obtiendrez "Paysage du Québec". Psyquébélique vous offre ce très rare EP ainsi que les pièces de Lévèque sur 3-12.

MP3:
Téléchargez le EP "Paysage du Québec"
Téléchargez les pièces de Lévèque du LP "3-12"

Jacques Crevier, l'arrangeur

2011-03-14T05:36:00.053-04:00

Pour ceux qui l'ignore, Jacques Crevier est un arrangeur / compositeur prolifique des années 60-70. Méconnu du grand public, il a travaillé dans l'ombre de beaucoup d'artistes connus. Probablement que seuls ceux qui lisent attentivement les crédits sur les étiquettes de disque, on déjà vu ce nom. Il n'en demeure pas moins qu'il a été un participant actif de l'histoire musicale du Québec des années 1960-70.

Grâce à son talent de caméléon musical, il a su se rendre utile auprès de plusieurs producteurs et d'étiquettes de disques différents. Il a fait les arrangements pour nombreux artistes sous l'égide de Tony Roman, Yves Martin et Guy Cloutier.

Il a commencé sa carrière comme guitariste dans divers petits groupes avant d'être engagé par les Baronets en 1964. Ce fut avec eux qu'il fit son premier enregistrement professionnel. Il s'est rapidement dirigé vers l'arrangement musical.

Faisant surtout dans la Pop, la liste d'artistes pour qui il a travaillé au cours de sa carrière serait beaucoup trop longue à énumérer.Psyquébélique vous propose plutôt une discographie sélective des meilleurs arrangements Soul/Funk que Jacques Crevier a fait. Commençons avec Tony Roman.

Quoique non crédité, Crevier arrangea plusieurs reprises de pièces Soul sur l'album "Tony" (1967) de Tony Roman.

On peut y entendre Attends-moi je reviens (Hold On, I'm Coming / Sam & Dave), Je suis seul (what is Soul ? / Ben E. King), Mustang Sally (Sir Mack Rice).

Tony (1967) / arrangements Jacques Crevier

En 1967 toujours, il présenta son vieil ami Ralph Walton (alias Raphaël) à Tony Roman. Roman l'engagea d'abord comme choriste puis, voyant le potentiel, lui fit enregistrer un 45t.

Crevier arrangea alors pour lui une excellente compo: "Amoureux". Sur cette pièce l'on entend une petite section cuivre très efficace. Un son Soul qui n'avait rien à envier à ce qui se faisait ailleurs.

Amoureux / arrangements Jacques Crevier

Mentionnons aussi l'album "Tony Roman en spectacle" (1969). Pas le meilleur album de Tony Roman mais intéressant pour deux raisons. Numéro un: pour une rare fois, les musiciens y sont identifiés.

Numéro deux: Crevier y accompagne Roman et l'on peut même entendre une compo originale très Jazz. La pièce nommée "introduction" est créditée à Jacques Crevier et Jean-Guy Chapados. Cette pièce se nommait à l'origine "Manhattan 5 Pm" et paraît nulle part d'autre. Elle avait été composée en pleine nuit au cours d'une répétition, avec Les Baronets, dans une pause, ou nous avions décidé de jammer un peu [Jean-Guy Chapados et moi].

Mais certains de ses meilleurs arrangements sont ceux fait sur l'étiquette "R & B" de Tony Roman.

Prenons la pièce "Pollution de l'air" de Jacques Desrosiers (1970). Il s'agit d'une pièce à la sonorité Soul un peu dans le style de Nino Ferrer à l'époque.

Pollution de l'air / arrangements Jacques Crevier

Le clou est sans doute la pièce "Ma vie" qu'il avait réalisée pour le groupe l'Armistis en 1970 (reprise de "Vehicule" de "The Ides of March"). On y reconnait là tout l'influence des groupes tel Blood, Sweat & Tears. Les touts début du son Funk.

Ma vie / arrangements Jacques Crevier

Il y a aussi eu cette superbe reprise de "Copacabana" (1972) du groupe belge "Two Man Sound". L'original était très "tropicalia", l'accompagnement était composé que de guiro et de guitare acoustique. L'ajout de cuivre apporte une touche Soul spectaculaire.

Copacabana / arrangements Jacques Crevier

J'écrivais plus haut que seuls ceux qui lisent attentivement les crédits d'étiquettes de disques ont déjà vu le nom de Jacques Crevier. En fait, ce serait omettre son nom sur la plus célèbre trame sonore québécoise: Après Ski. Son nom y était bien en évidence. Il y avait fait les arrangements de tous les artistes de la face A.

Crevier a récemment fait l'objet d'une controverse dans le petit milieu des collectionneurs de vinyle québécois.

Dans une entrevue avec Félix Desfossés, le leader du groupe Montréalais "Illustration" (John Ranger) affirme 40 ans après la sortie du film, avoir composé et interprété (avec son groupe) toute la désormais célèbre Face B du disque Après Ski . Ranger va jusqu'à dire que "Jacques Crevier n'aurait rien composé [sur la face B] mais aurait tout récolté le crédit".

Funk et instrumentale, ce côté de disque en a fait la trame sonore la plus recherchée de l'histoire du Québec. Atteignant des sommets inégalés sur Ebay. Vous pouvez lire mon mon article sur Après Ski ici et celui de mon collègue Félix là.

J'ai récemment interviewé Jacques Crevier pour lui demander sa version des faits. Il commente ce que Ranger avait dit et explique les circonstances entourant l'enregistrement de l'album. Il parle aussi de certains des grands moment de sa carrière d'arrangeur. Son témoignage est aussi éclairant que précieux.

Contrairement à ce que plusieurs ont longtemps pensé, non Jacques Crevier n'a pas composé/arrangé les pièces de la Face B d'Après Ski. Mais je ne crois pas qu'il soit complètement farfelu d'affirmer qu'il aurait pu le faire.

Voici donc le portrait d'un homme, d'un métier, d'une époque.

Écoutez l'entrevue:
MP3: Téléchargez l'entrevue

Avis aux intéressés; après avoir réédité "Après Ski" en vinyls, Les disques Plutons sortiront l'album en DC. Détails sur le site de cette excellente étiquette de disque Montréalaise.

PSYQUÉBÉLIQUE DJ au Rendez-vous du cinéma québécois

2011-02-18T19:21:00.007-05:00

Pour la soirée 25ième anniversaire du film "Le déclin de l'empire américain" les gens du festival Les rendez-vous du cinéma québécois m'ont demandé de faire une soirée trames sonores québécoises.

L'événement était ouvert à tous et avait lieu au cinéma Impérial le mardi le 22 février après la projection du film (vers 22h30).

Réédition d'Après Ski ... Psyquébélique DJ

2011-01-23T15:13:00.021-05:00

Pour ceux qui l'ignore, Les disques Plutons (étiquette de mes collègues Félix B Desfossés et Mélodie Rheault du blog Vente de garage) ont réédité la trame sonore la plus recherchée de l'histoire du Québec: APRÈS SKI.

Le lancement officiel avait lieu le vendredi le 28 janvier à Québec et samedi, le 29 janvier à Montréal.

J'avais l'honneur d'être DJ au lancement Montréalais samedi le 29 janvier au Divan Orange à 21h. Je partageais les platines avec mon collègue et ami Michel Alario du groupe de discussion "Misérablement Vôtre".

Mais le clou de la soirée était sans aucun doute la performance du groupe "Érotique PQ". Ce groupe reprenait les meilleures pièces des trames sonores érotiques québécoises.

Psyquébélique à Radio Centre-Ville

2010-10-16T16:47:00.026-04:00

Les 6 et 13 septembre 2010, j'ai eu le plaisir d'être invité à l'émission Trame Sonore sur les ondes de Radio Centre-Ville 102,3 FM. L'émission est diffusée tous les lundis de 13h30 à 14h.

Claude-Marie Landré et Laurence Bergeron Michaud m'avaient demandé de faire jouer des trames sonores de films érotiques québécois. J'y ai fais jouer des pièces de:

-Valérie (1969)
-L'amour humain (1970)
-Viens, mon amour (1970)
-Y a plus de trou à Percé (1971)
-Après Ski (1971)
-Le diable est parmi nous (1972)
-La pomme, la queue et les pépins (1974)

Je tiens à m'excuser auprès de mon collègue Sébastien Desrosiers (du Blog Patrimoine PQ) que j'ai oublié de mentionner en onde pour son travail sur la pochette de notre réédition non-officiel de Valérie.

La playlist est dans la section commentaire.

Écoutez les émissions:

MP3: Téléchargez les émissions

Psyquébélique LIVE à Bande à part

2010-09-22T20:12:00.022-04:00

Le 23 septembre 2010 de 17h à 18h, j'ai eu l'honneur d'être DJ invité à l'émission Extatique sur les ondes de Bande à part. Mon set était diffusé sur le site BANDEAPART.FM ou sur Sirius 87 (pour ceux qui avait la radio satellite). Une rediffusion a eu lieu dans la nuit de vendredi à samedi entre 2h-3h sur Espace musique.

La playlist est dans la section commentaires.

Écoutez l'émission:

MP3: Téléchargez l'émission

Psyquébélique diffusé à New York # 4

2010-09-06T12:44:00.014-04:00

Voici maintenant la 4ième émission de radio de "Clean & Humble" à laquelle j'ai eu le privilège d'être invité. L'un des animateurs est mon cher ami Peter Gunn (auteur du Blog Tête Carée). Les sujets abordés n'étaient pas tellement musicaux cette fois-ci non plus. Peter et moi discutions surtout de Montréal en général. Tout ça pour le bénéfice de ses auditeurs en grande partie américains.

L'enregistrement a eu lieu le vendredi le 20 août 2010 lors de son passage à Montréal. L'émission fut diffusée le lundi le 23 août de 20h à 21h sur les ondes de Viva-Radio, situé à Brooklyn New York.

Vous pouvez accéder aux site & archives de Clean & Humble ici. La playlist est dans la section commentaires.

Écoutez l'émission:

MP3: Téléchargez l'émission

Épices, coeur & cuivres / Georges Tremblay 196?

2010-06-26T12:02:00.036-04:00

Quelle horrible pochette pour un si bon disque.

Épices, coeur et cuivres est un de ces nombreux albums Lounge aux sonorités latines des années 60. Dans la foulée du succès de Herp Albert & the Tijuana Brass et ceux d'orchestres allemands (Bert Kaempfert, Roberto Delgado...); est né une mode de disques d'influences latines ou du moins mexicaines (style Mariachi). Beaucoup de ce qui faisait ce Son était dû à la place accordée à la section cuivre (Brass) mais plus particulièrement à la trompette. Certains y voyaient un "culte" de la trompette. L'accompagnement de guitare sèche était très fréquent, sans oublier l'utilisation d'instruments latins tels le marimba ou le clave.

En vérité il ne s'agissait pas tellement de "vrai" musique Latino-américaine (comme on pourrait en entendre au Guatemala, Pérou...) mais bien d'une version occidentale ET pop de la musique latine. Une sorte de Tex-Mex musical. Le style Mariachi n'était que le point de départ. Qu'à cela ne tienne, un genre était né.

Le Québec n'a pas été épargné par cette vague. À part l'album Épices, coeur et cuivres, un autre exemple du genre est le disque de Bix Belair et Gilles Laflamme à la même époque. Il avait pour titre tout simplement: Tijuana.

Mentionnons également le 45t de Roger Gravel et son orchestre Tijuana. Même son de trompette et encore l'utilisation du mot Tijuana.

Tijuana est bien sûr cette ville frontière entre le Mexique et les États-Unis. L'utilisation du nom de cette ville était fréquent chez les groupes faisant ce style de musique. Le mot est devenu un raccourcis intellectuel faisant référence à l'atmosphère festive de la ville et du genre musical.

L'album de "Georges Tremblay et ses Brass" se démarque du lot parce qu'il ne contient QUE des compo originales et aucune trace du mot Tijuana. Vue de l'extérieur on ne dirait même pas un album "Latin". Soit l'étiquette de disque Triomphe n'avait aucun sens du marketing, soit ils essayaient de se distancer de cette mode (quoiqu'en regardant la pochette, on est plutôt porté à pencher du côté "zéro sens du marketing").

Si l'album a été une tentative de "surfer" sur la vague latino, au moins ça a été fait avec subtilité et par quelqu'un qui ne s'est pas contenté de réchauffer des "succès" à la sauce latine. Georges Tremblay a clairement fait là l'album référence québécois du genre. Il était l'un des rares compositeurs/arrangeurs d'ici qui avaient le talent pour apporter sa pierre à l'édifice. Malheureusement pour nous, aucune date ni musiciens n'y sont identifiés.

Comme sur chaque pièce de Georges Tremblay, on reconnait le talent qu'il avait pour créer des thèmes accrocheurs. Il savait faire des combinaisons d'instruments inusitées. Il ne s'était pas gené ici pour "diluer" le son latin avec des instruments Pop comme: l'orgue, la guitare électrique et la flûte traversière.

Des pièces comme Le soleil fantastique, Chou-fleur, Burrito mystico, sont typiques du genre latino-occidental. Rapides, joyeuses et dansantes.

Mais d'autres sont plus lentes, solennelles, presque Jazz: Gin Tonic, J'ai encore pour toi, Fraise à la crème.

La pièce Dans la vie, est la seule qui sort du lot car elle n'appartient pas vraiment au genre du reste de l'album. Très bon morceau ceci dit. Je la décrierais comme une valse "big band" mais avec des percussions latines (clave).

Le disque est léger et vous mettra de bonne humeur, garantie. C'est l'album d'été par excellence.

MP3: Téléchargez l'album complet

Jazz en province / Claude Allaire 1965

2010-05-27T18:00:00.121-04:00

Voici peut-être le secret le mieux gardé du jazz québécois.

Le pianiste / trompetiste Claude Allaire est l'un des jazzman québécois les moins connus, même parmi les amateurs de Jazz. Il n'a jamais été invité au festival de Jazz de Montréal et son nom ne figure même pas dans l'exhaustive bible de John Gilmore: "Une histoire du jazz à Montréal".

Pourquoi ? Peut-être parce qu'il n'a jamais habité Montréal. Sinon parce qu'il n'a sorti qu'un album avec un ensemble Jazz. Ou peut-être que tout ce beau monde manque tout simplement de curiosité.

Pourtant, tout ceux qui l'ont entendu, ne peuvent nier la qualité de "Jazz en province" (1965 / Kébec). Il s'agit d'un quatuor au son Lounge feutré. Un son qui évoque le "chic" d'une autre époque. Le jeu décontracté de Claude Allaire et l'utilisation du vibraphone y sont pour beaucoup. Les musiciens étaient: piano/Claude Allaire, vibraphone/Raymond Nadeau, contrebasse/Gaston Jutra, batterie/Pierre Nadeau.

Étrangement, cet album est l'un des rares à avoir été réédités à plus d'une reprise; l'année suivant sa sortie (sur l'étiquette Niagara), et depuis 2001 (sur le site "CD BABY"). Donc, le peu de gens dans l'industrie du disque qui connaissent son existence, devaient tout de même savoir qu'ils avaient affaire à un excellent album.

L'enregistrement commence avec une compo originale: "Blues à la carte". Une pièce que la pochette originale résumait comme du "Jazz-Progressif". Aucun lien avec ce qui ce fera sous le même nom plus tard dans les années 70. Superbe morceau rythmé qui vous fera claquer des doigts.

Mais on retrouve aussi plusieurs balades mélodiques comme "Blue Moon"et "Darn That Dream" et une version balade-bossa de "Have You Met Miss Jones".

La reprise la plus spectaculaire est peut-être la version de "Summertime" de Gershwin. Allaire commence avec une longue intro de piano solo de 1:40, puis l'orchestre embarque et change le rythme complètement. C'est comme si la pièce était divisée en deux: première moitié classique et la seconde, Jazz.

Mais le clou de l'album est clairement l'autre compo originale: Jazz en province. L'album est d'ailleurs nommé ainsi. Dans cette pièce, l'on peu notamment entendre les notes du thème jouées simultanément au piano et au vibraphone. La contrebasse et la batterie aussi sont particulièrement entrainantes. Le contrebassiste (Gaston Jutra) y fait une démonstration convaincante de "walking". Bref, une pièce qui aurait dû devenir un "standard".

L'utilisation des mots "en province" dans le titre "Jazz en province" était pour l'expression signifiant: "à l'extérieur de Montréal". Ce choix de titre n'était pas le fruit du hasard. Claude Allaire y faisait là une sorte de déclaration, comme quoi le talent n'était pas le monopole de la métropole. De nos jours, on entend plus beaucoup l'expression "en province", mais le phénomène de l'exode rural est malheureusement toujours aussi criant.

Monsieur Allaire a récemment prit le temps de répondre à mes questions. En entrevue, il revient sur ses débuts, les circonstances de l'enregistrement; les divers Jazzman qu'il a côtoyé et ce qu'il a fait depuis toutes ces années.

Écoutez l'entrevue:

Monsieur Allaire à également eu la gentillesse de me prêter quelques photos ou l'on peut le voir à l'oeuvre à l'époque. Dans les deux formations (Quintette & trio), il y jouait de la trompette. Ces deux ensembles n'ont aucun lien avec l'album Jazz en province, mais sur la photo ci-dessus, on peut tout de même voir le batteur (Pierre Nadeau) et le contrebassiste (Gaston Jutra) qui l'accompagnait sur le disque. On peut aussi constater qu'à une époque au Québec, on pouvait entendre du Jazz loin de Montréal, ou comme dirait Monsieur Allaire, du Jazz en province.
Psyquébélique met généralement en ligne pour téléchargement des albums jamais réédités. Dans ce cas-ci (pour une fois) l'album a été réédité en CD. J'invite donc les lecteurs à se le procurer à même le site CD BABY. Je met en ligne les scans des pochettes et étiquettes des deux versions de l'album.

Jazz en province / Claude Allaire

Téléchargez pochettes et étiquettes

Psyquébélique mentionné à l'émission de Monique Giroux

2010-05-27T11:08:00.016-04:00

Psyquébélique a été mentionné à l'émission "Éclectique" de Monique Giroux sur les ondes d'Espace musique le mercredi le 26 mai. Dans le cadre de sa chronique "Le palmarès des oubliettes", Marie-Christine Champagne a fait un billet sur l'album Fly de Belgazou. Elle y a fait une brève référence à mon article datant du 24 septembre 2008.

Bienvenue aux nouveaux membres !

Écoutez la chronique de Marie-Christine Champagne:

Oublie / Denise Cardinald 1968

2010-04-23T07:33:00.017-04:00

Voici un petit bijou qui a dû passer en dessous des radars de bien des collectionneurs de Soul québécois. Il a longtemps passer en dessous de mon radar en tout cas.

Denise Cardinald, n'a pas eu une très longue carrière. Son unique 45t est celui-ci. L'étiquette S.E.M. (société d'enregistrement maximum) n'a pas dû avoir une très longue carrière non plus.

Elle interpréta les deux pièces de ce simple et composa la balade "Adieu" du côté A. Dans les deux cas, elle est accompagné d'André Collin, connu surtout pour ses compil "Guitare succès" vol.1-2.

Le fait saillant de ce simple est sans contredit la composition d'André Collin du côté B: Oublie. C'est une compo Soul à l'orgue. Très accrocheuse quoique courte. Les accords d'orgue répétitifs et les solos rappellent François Carel et Donald Seward à la même époque. Un must pour les amateurs de Soul d'ici.

Fait à noter, les gens du site rétro jeunesse (d'où vient cette photo) écrivent le nom Cardinal sans "D" à la fin. Qui dit vrai ? Y aurait t'il eu une faute d'orthographe lors de l'impression de l'étiquette ?

Oublie / Denise Cardinald

MP3: Téléchargez le 45t

PSYQUÉBÉLIQUE DJ invité à la radio

2010-04-11T14:02:00.017-04:00

Voici une émission de radio à laquelle j'ai eu le plaisir de participer en tant que DJ invité. Mon ami Otis Fodder tient la barre de Friendly Persuasion depuis 1999. Après quelques interruptions et changements de stations, l'émission est maintenant diffusée sur les ondes de DFM Radio Television International depuis 2009. Cette station radio web est basée à Amsterdam (aux Pays-Bas) et est une des toutes premières du genre (circa 1996).

La diffusion de l'épisode # 252 a eu lieu vendredi dernier (9 avril 2010) de 15h-18h. Mon bloc d'une demi-heure commence à 26:30. Psyquébélique vous encourage à écouter Friendly Persuasion.

La liste des pièces est disponible dans la section commentaires.

MP3: Téléchargez l'émission

Stéphanie 1971-72 (2de2)

2010-03-25T11:31:00.073-04:00

J'étais presque sûr que cette Stéphanie de 1971 sur l'étiquette RCA était la même que celle de Capitol en 1966... mais un lecteur m'a appris que non. J'ai pu replacer les morceaux du casse-tête grâce à une discussion avec Pierre René de Cotret (parolier de cette Stéphanie-ci), Yves Vincent (son producteur/arrangeur) et la précieuse photo ci-dessus (trouvé par mon collègue Sébastien de Patrimoine PQ).

Tout d'abord, cette Stéphanie-ci se nommait Kim Crousset. C'était la soeur de Catherine Blanche. Le son de Stéphanie "1971" était beaucoup plus rock que Stéphanie "1966". Par contre Stéphanie "1971" chantait aussi majoritairement des reprises.

Trois 45t paru en tout. Tous sur RCA et chapeautés par Yves Vincent aux arrangements.

D'abord paru "Et voilà". La pièce était la reprise de Bugia de l'artiste italienne "Nada". Elle était sortie l'année précédente sur l'étiquette RCA également (d'où le choix de Stéphanie probablement).

La version d'Yves Vincent est beaucoup plus agressive que la version d'origine. L'original de chanteuse italienne Nada était dominé par guitare sèche et tambourine. Mais accompagnant Stéphanie, on peut entendre guitare électrique, lourde basse et batterie métronome. Le tout donne une version plus sombre et plus acchrocheuse selon moi.

Le côté B est une des nombreuses reprises fait au québécoise du groupe C.C.R. (Bad Moon Rising dans ce cas-ci).

Le 45t suivant est assez ordinaire. Il incluait les pièces "Vivons librement/ À quoi bon la liberté". Il semble que toutes les déclinaisons du mot "libre" était drôlement populaire en 1971. Sûrement des reprises d'artistes du catalogue RCA. Ni Pierre-René de Cotret, ni Yves Vincent ne se souviennent de qui.

La meilleure des deux pièces de ce 45t est "À quoi bon la liberté". Je la décrierais comme du Rock mais avec des crocs limés.

Avec ses deux guitares (électrique et sèche), piano, batterie et choeur; la pièce rappelle drôlement l'album des Scarabées. Cet album était paru l'année même, sur RCA aussi, et produit par Yves Vincent. Normal que le son déteigne. Le côté A "Vivons librement" est une pièce dans le même genre mais en moins bon.

Finalement le dernier de ces trois 45t est paru en 1972. C'est le seul qui incluait une compo originale: "Mon amour, mon ami". Selon moi, c'est de loin la meilleure des pièces de Stéphanie des années 70.

La pièce avait été placé (sans surprise) du côté B. Le côté A est une ennuyante reprise de "Waiting At the Bus Stop" de Bobby Sherman.
Mon amour, mon ami, n'a rien avoir avec la pièce du même nom de Marie Laforest. Ni avec "Mon amour, mon ami, mon frère" de Christine Charbonneau ou "Toi mon amour, mon ami" de Nicole Martin.

Elle est crédité et P. Létourneau et C. Simard. Le "P" est bien sûr pour Pierre Létourneau (chanteur/parolier) qui écrit le texte. Mais le "C" est pour Christian Simard du groupe (Les Maîtres, Morse Code). Lors d'un échange courriel avec Monsieur Yves Vincent, il avait ceci à dire du 45t.

"... [Christian] Simard, il etait le chanteur du groupe Morse Code et le compositeur de cette chanson. Le groupe Morse Code ont enregistre les pistes de la musique de chansons et j'etais le producteur."

Nous aurions donc droit à une composition insoupçonné de Morse Code. C'est un Rock lent mais puissant accompagné de choeur et cuivres. Tout de même étonnant que la carrière de Stéphanie ce soit terminé sur cette super face B.

En terminant un avertissement. La qualité de ma copie laisse passablement à désirer. Merci à Lëa-Kim pour la copie de "Mon amour, mon ami".

MP3: Téléchargez les 45t

Stéphanie 1966 (1de2)

2010-03-21T19:13:00.011-04:00

Elle se faisait appeler simplement Stéphanie. Elle était drôlement bien entourée pour une jeune première. À ma connaissance, son unique album est celui-ci. Il est sorti en 1966 sur Capitol dans la série 70 000. Curieusement, elle ne semble être répertoriée dans aucun ouvrage québécois.

Les arrangements de Paul de Margerie font de ce disque ce qu'il est: de l'excellente pop orchestrée. L'album aurait pu être un de ces enregistrements dépouillés de chansonnier comme c'était la mode à l'époque (un poète, sa guitare et un tabouret). Mais au lieu de cela, on a droit à un son riche, digne des plus grosses productions studio.

1966 était vraiment une autre époque, on pouvait encore entendre des artistes accompagnés d'un vrai "orchestre". Malheureusement aucun musicien n'est identifié sur la pochette.

L'album est constitué presque uniquement de reprises. Étrangement du côté A, toutes les pièces sont d'artistes québécois (Ferland, Gauthier, Vigneault...). Du côté B, que d'artistes français (Ferrat, Vian, Férré...).

Point de vue purement musical, le fait saillant est sans contredit la reprise de "Avant le Jazz" de Michel Legrand. La version originale (+ou- 1964) était très "percussions africaines". Paul de Margerie en a fait une battuccada brésilienne beaucoup plus dynamique et entraînante. À vous de juger:

Je dis que l'album est "presque" uniquement constitué de reprises car l'album contient tout de même deux compositions originales. Les pièces "Le clou" et "Chanson tirée par les cheveux" avaient été composées expressément pour Stéphanie par le duo auteur/compositeur Claude Gagnon et Pierre Bourdon.

Ces deux hommes, en plus d'avoir à leur actif chacun un album solo, étaient notamment derrière la comédie musicale "Désespoir à gogo" présentée l'année même au théâtre Le Patriote. La mise-en-scène était l'oeuvre du désormais célèbre André Brassard.

Fait intéressant, l'orchestre accompagnant ce spectacle était nul autre que Les Mersey's.

Sauf erreur, il n'existerait malheureusement aucun enregistrement de cette comédie musicale.

Revenons à Stéphanie. La pièce "Le clou" est une superbe balade samba. Violon, clave et vibraphone donne des sonorités sophistiquées qu'on a rarement entendues au Québec depuis.

Sur "Chanson tirée par les cheveux" on retrouve des accents yé-yé dans le refrain (guitare, batterie et cuivre). Le texte fait référence à cette drôle de mèche que Stéphanie porte à l'avant.

Psyquébélique aimerait remercier le parolier Claude Gagnon pour les photos. Je vous encourage à visiter son site où vous pourrez vous procurer son recueil Chanson de la sourde fontaine / 1983. Dedans vous y retrouverez ses chansons de Stéphanie, ceux de "Désespoir à gogo" et beaucoup plus.

Mentionnons en terminant la reprise de Leny Escudero "Rupture en cinq temps". Un Jazz bien rythmé qui vous fera taper du pied.

MP3: Téléchargez l'album

2010-03-20T09:24:00.013-04:00

Psyquébélique vous encourage à visiter le site de la nouvelle étiquette de disque Montréalaise Les disques Pluton. Fondé par mes collègues Félix B. Desfossés et Mélodie Rheault de Vente de garage, cette maison de disque commence son catalogue avec une réédition de trois pièces de Donald Seward (ex-claviériste de César et ses romains):

Les pièces sont disponibles en Mp3, FLAC ou 45t (édition limité). Elle sont:
-Mongo’s Boogaloo une reprise de Rodgers Grant.
-Studio “B” Funk, une compo originale de Monsieur Seward.
-Do-ré-mi-fa-soul, la version instumentale de la pièce de Pierre Perpall (qui était elle même une reprise de "Sing a simple song" de Sly & Family Stone).

Félicitons cette initiative !

PSYQUÉBÉLIQUE dans les médias

2010-03-08T02:22:00.016-05:00

Tout a commencé samedi dernier (6 mars 2010) quand Jean-Christophe Laurence à fait paraître un article dans La Presse portant sur la réédition non-officiel de Valérie mise en ligne sur Psyquébélique. Il m'avait interviewé plus tôt cette semaine à ce sujet.

L'article de Laurence a ensuite été mentionné dans le blog de Marc-André Lussier sur Cyberpresse.

Comme si ce n'était pas assez de visibilité, ce matin-là, RDI en direct recevait nul autre que Danielle Ouimet. Non mais quel hasard ! On lui a mentionné mon site et même fait écouter un extrait du 45t original de Valérie "Moi je veux vivre". Elle s'est écouté chanter sur la musique de Michel Paje et Joe Gracy.

Ai-je besoin de rajouter que j'en suis fier ? Vous pouvez écoutez l'extrait sur le site de Radio-Canada. Je vous conseil de "skipper" à la deuxième partie de l'entrevue.

Désolé à tout ceux qui on pu avoir de la difficulté à écouter les extraits musicaux samedi. Il y a eu un embouteillage monstre causant quelques pépins. Tout est depuis rentré dans l'ordre.

Bienvenue à tout les nouveaux membres!

PSYQUÉBÉLIQUE PRÉSENTE:Valérie / Michel Paje Joe Gracy 1969

2010-01-31T18:56:00.205-05:00

Pour clore mon cycle sur les trames sonores érotiques québécoise, voici celle qui a lancé le bal. La toute première: Valérie.

Le disque n'est jamais sorti à l'époque, mais Psyquébélique est fier de vous présenter 40 ans après sa sortie, une version non-officiel de ce classique musical. Mentionnons tout d'abord que cette humble réédition est un travail d'équipe. Fait à partir du DVD, le patient remontage du Son est l'oeuvre de mon ami Otis Fodder. La superbe pochette est de mon collègue S.ébastien de Patrimoine PQ. À la recherche et rédaction: Psyquébélique.
Otis a isolé onze pièces en tout. N'ayant eu accès qu'au DVD, ces morceaux incluent necessairement un certain nombre de bruitage du film. Malgrés cela, nous avons tout fait pour que cette fausse édition sont le plus vrai possible.

Valérie est donc le tout premier long métrage érotique au Québec. En 1969, Denis Héroux était à son 4ième films. Après avoir commencé sa carrière avec des films intello (Seul ou avec d'autres (1962), Jusqu'au cou (1964)), il était déçu du peu d'attention que les films d'ici généraient. Ce non rendez-vous avec le public était en parti dû à la mainmise des distributeurs étranger sur notre territoire; mais peut-être aussi à cause d'un certain snobisme des cinéastes de l'époque face à un cinéma plus populaire. Héroux décida de changer de cap à partir de son 3ième film. Pas de vacances pour les idoles (1965) était un peu un "Hard Day's Night" des Beatles mais avec nos vedettes yéyé québécoise.

Dans une entrevue accordée au Magazine Maclean en Janvier 1969, il parlait du film qui allait suivre: Valérie. Il y revendiquait le droit de faire un cinéma plus commercial: "Les cinéastes ici pensent plus au message qu'au médium et leur message se perd" affirmait-il.

C'est également dans cet article qu'est né l'expression "Déshabillont la québécoise". L'expression allait désormais désigner ce mouvement érotico-cinématographique bien de chez nous. Remarquez par contre, qu'à l'origine les mots utilisés étaient "Déshabiller la petite voisine". L'expression était une citation de son collègue Denis Arcand:

"...Notre cinéma sera adulte quand on osera déshabiller la petite voisine..."

Par là, il faisait référence au combat contre la censure. En 1969, plusieurs pays déjà avait fait des films contenant de la nudité. C'était dans l'ère du temps. Il y avait de l'érotisme sur les écrans du Québec mais il venait toujours d'ailleurs. Avec Valérie, tout ça allait changer.

Dans une entrevue téléphonique qu'il m'a gentillement accordé, M. Héroux minimise son geste pionnier. Il dit que si ce n'était pas lui, ça aurait été un autre. Il rajoute que ce qui a surtout aidé le film c'est d'avoir eu la bénédiction personnelle d'André Guérin (président de la régie du cinéma). Il parle également de la belle carrière que connu Valérie (vendu à Canne dans une quarantaine de pays...).

L'histoire du film peut sembler tout droit sortie d'un roman de gare mais est plus complexe qu'elle le semble à première vue. Valérie est une orpheline qui s'échappe de son couvent... avec un motard. En arrivant à Montréal, elle est tenté par la vie de consommation urbaine. Ne parlant pas anglais, elle décide de devenir danseuse, puis prostitué. Elle finit par se ranger avec un veuf au penchant artistique. Le film se voulait un peu une métaphore du Québec de 1969. Du changement de moeurs de la grande noirceur vers ceux de la révolution tranquille.

Revenons à la musique. Le contrat de la trame sonore est venu de façon inusité. Pour la scène ou Valérie accepte son premier client, Héroux demanda à Danielle Ouimet de lui suggérer un homme avec qui elle serait à l'aise à tourner cette scène délicate. Elle nomma Michel Paje (son copain d'alors) tout en ajoutant qu'il pourrait également faire la musique du film. En effet, Michel Paje était un auteur/compositeur/interprète Français établit au Québec depuis deux ans à l'époque. Les deux avaient déjà endisqués deux 45t ensemble à Montréal. Denis Héroux accepta de le prendre comme acteur et compositeur. Après le tournage Michel Paje, retourna en France enregistrer la trame sonore avec son complice Joe Gracy. L'arrangeur auquel ils ont fait appel était le célèbre Jean-Claude Pelletier.

De toute les excellentes pièces que Michel Paje et Joe Gracy ont composés, Cinépix n'avait cru bon de faire paraître qu'un 45t incluant les deux thèmes chantés par Danielle Ouimet.

Fait étonnant, pour la chanson "Moi je veux vivre", Denis Héroux dit avoir beaucoup parlé du texte avec Michel Paje. Même qu'il lui aurait demandé que les paroles "Je veux être libre" soit inclu dans le thème, en référence à l'indépendance du Québec. Remarquez que sur cette même pièce, l'intro est un extrait du premier morceau de la trame sonore. Par contre, l'enregistrement semble avoir été coupé ou du moins, commencer abruptement.

Ce 45t constitue le tout premier pas de Cinépix dans l'industrie musical. Avant l'étiquette Initiation Records et Gap Records, Cinépix avait tout d'abord fait affaire avec l'étiquette Vedettes (une filiale de Trans-Canada).

Pour ce qui est des autres produits dérivés, il est tout de même étonnant d'apprendre qu'Yves Thériault avait été mandaté pour faire une version écrite de Valérie.

Mentionnons au passage que la splendide illustration de Jacques Delisle avait été utilisé pour la couverture du livre également.

Autre étrangeté, l'étiquette Polydor a sorti au Japon une version édulcoré du thème "Valérie et l'amour". Le côté A de ce 45t est instrumental et le B est chanté a cappella. Aucune date n'est incrite. La pièce n'est crédité qu'à Joe Gracy (qu'on peut apercevoir à l'arrière). Tout les notes sont en Japonais à l'exception du mot "Cigliano" sur l'avant de la pochette et sur le côté B. Il s'agit probablement de la personne qui avait prêté sa voix pour la version a cappella.

Michel Paje a récemment pris la peine de répondre à quelques unes de mes questions au sujet de son travail sur Valérie. Il disait tout ignorer de cette version Japonaise. Il est revenu aussi sur ses débuts avec Joe Gracy, ses années à Montréal et les problèmes de Son lors de l'enregistrement.

Psyquébélique aimerais rendre hommage à la trame sonore de Michel Paje et Joe Gracy. Une édition professionnelle de Valérie manque cruellement à l'appel depuis 40 ans. À défaut d'avoir l'original, voici une version "pour fans seulement" de la B.O.. Aucune pièces ne portait de nom alors vous excuserez ceux que j'ai improvisés.

Le film contient beaucoup de belles balades, mais les pièces les plus rythmiques sont, selon moi, les plus mémorables. Prenons exemple de l'ouverture: Valérie se rebelle. Les arrangements du combo piano/batterie sont tout simplement hypnotisants. Sans oublier les lentes notes de cuivres et harmonies vocales qui rajoutent un côté grandiose.

Les pièces "Sur la route" et "Les danseuse à Go-Go" ne sont pas trop loin derrière. "Sur la route" est une pièce simple mais efficace. Un choeur accompagné de batterie et cuivres et cordes.

"Les danseuse à Go-Go" semble être divisé en deux sinon trois parties (du moins si on se fit au mixe de film). Un trio rapide de guitare, orgue et batterie démarre le tout de façon Go-Go/ Yéyé. Puis le tempo ralenti, un choeur se rajoute et ça devient soudainement plus funky. Finalement la cadence ralenti davantage pour ressembler à un blues.

La pièce "Une nouvelle robe" est une version instrumentale du thème "Moi je veux vivre". On est vraiment à même de pouvoir apprécier la complexité de la structure. Batterie tambourine, choeur, guitare et une finale piano & violons. Mentionnons également les courtes interludes: "Café Kaléidoscope" et "Vous dansez ?" La première est un simple fioriture hippie soixantuitard (pour paraphraser Michel Paje), la deuxième est un R&B.

Après Valérie, Michel Page est resté en France et a réorienté sa carrière vers la musique publicitaire. Il travail maintenant sous le nom de Michel Roy et se spécialise dans le doublage et la narration. Joe Gracy à qu'en à lui continué son travail de compositeur pour d'autre artistes. Il a notamment composé "L'oiseau et l'enfant" pour Marie Myriam qui gagna le concours Eurovision en 1977. Il a pris sa retraite du monde du spectacle depuis quelques années. Psyquébélique vous encourage à aller visiter le site de Michel Paje pour en savoir plus sur le reste de sa carrière.

Téléchargez la trame sonore non officielle de Valérie
Téléchargez le 45t original
Télechargez le 45t Japonais

L'initiation / François Cousineau 1970

2009-11-27T09:07:00.070-05:00

L'initiation est la première trame sonore de film érotique québécois à être sorti sur disque. Le film "Valérie" est bien sûr sorti avant (1969) mais malheureusement la B.O. de Michel Paje & Joe Gracy n'a jamais été rendu disponible par le studio Cinépix (mise à part un 45t).

En 1970, Cinépix corrigea le tir avec la sortie de l'initiation. Le studio fonda même un étiquette de disque portant le nom du film. Cette brève étiquette est, à preuve du contraire, l'ancêtre de Gap Records. Pourquoi est-ce important ? Parce que Cinépix était LE studio qui a produit pratiquement tout les films érotiques au Québec et que "Initiation Records" et "Gap Records" en sont les branches musicales. La musique de ces films mérites d'être enfin reconnu comme innovatrice et importante dans l'histoire musicale québécoise.

Pour ce qui est de la quantité, il y a encore moins de disques sortis sous l'étiquette Initiation que sous Gap. À ma connaissance il n'y aurait eu qu'un LP (L'initiation) et quatre 45t (dont deux tirés de ce films et deux de L'Amour humain).

Ma théorie au sujet de la courte durée de vie de Initiation Records est comme suis; Probablement que Cinépix (après le succès du film L'initiation) aurait fondé l'étiquette Initiation Records comme pour faire un test dans l'industrie musicale. L'affaire a dû être profitable pour eux et ils auraient récidivés avec deux pièces tirés de leur autre film L'Amour humain (sorti quelque mois plus tard). Très vite (l'année même), ils ont dû se dire que s'ils étaient pour continuer à éditer leurs trames sonores; il serait plus logique de trouver un nom d'étiquette plus neutre. Initiation serait alors devenu Gap Records. Mais, ce n'est qu'une théorie.

François Cousineau composait beaucoup de trames sonores à cette époque (notamment pour l'ONF), mais L'initiation était la deuxième seulement à être éditée. Il commença sa carrière sur disque en collaborant aux "arrangements Jazz" de son frère Jean sur la B.O. de Caïn (1965). Puis continua dans le Jazz en composant la B.O. de "La corde au cou" (1965) pour le même réalisateur (Pierre Patry). Après une série de trames sonores pour l'ONF, l'initiation paru sur disque en 1970.

On peut y entendre Diane Dufresne pour la première fois sur disque. Elle interpréte le thème "Un jour il viendra mon amour" ainsi que "Pauvre amour". Elle n'était pas la seule interprète par contre. Il y a aussi deux chansons de Patsy Gallant (Psyquédélique Party, Maman ne m'a pas dit) et une de l'obscure duo: Nicole & Bernard Scott (Un bateau).

"Un bateau" & "Maman ne m'a pas dit" on fait l'objet d'un 45t sur l'étiquette L'initiation. Idem pour le thème de Diane Dufresne.

"Un jour il viendra mon amour" y paraît sous 4 versions différentes. La meilleure étant la plus courte et la plus rythmé (à la toute fin de l'album). On y retrouve aussi 3 versions de l'autre chanson de Diane Dufresne "Pauvre amour".

"Non, ne me dis pas non" et la version instrumental no.1 de "Pauvre amour" sont des compos orchestrales non sans rappeler Ennio Morricone. L'utilisation de glockenspiel, de clavecin, de cuivres et de cordes donnent aux pièces des sonorités mystérieuses et solonnelles. Si on se fit à la section arrangements, elles seraient l'oeuvres de Léon Bernier (arrangeur pour Ginette Reno) et Roger Gravel.

Par contre, le nom qui frappe le plus dans cette section est celui de la formation "François Cousineau & les Quasars". Je n'ai jamais vu ce nom nul part ailleurs. Ils sont responsables (entre autre) des deux pièces instumentals les plus rythmés de l'album: "Le thème de Gilles" et "Pauvre amour" version instrumental 2. "Le thème de Gilles" est une pièce Pop typique de son époque. Guitares électrique et sèche, clavier, batterie. La version Jazz de "Pauvre amour" n'est pas mal non plus, quoiqu'un peu courte et sonnant un peu en retard sur son époque.

La pièce "Psychedelic Party" est considèré par plusieurs comme la meilleure de l'album. Elle fut d'ailleurs inclu sur la compil Canadian Racer en 2002 sur l'étiquette Follow Me Records. Une version 45t est également sortie l'année précédente.

Personnellement je trouve la réputation de "Psychedelic Party" surfaite. On dirait que l'enregistrement a été fait en une prise ou bien qu'on s'est trompé de bobine entre la version final et la répétition. Une chose est sûre, on entend clairement Patsy Gallant répondre on technicien son à plus d'une reprise (00:42, 00:50, 2:07 ). De plus on sent vraiment une coupure (1:01) dans le master. Soulignons tout de même la vigueur du batteur et du clavieriste (tout deux non identifié).

Une autre déception (si on se fit au titre) est la pièce nommé: La ville «underground». Rien de particulièrement expérimental. Il s'agit en fait d'une balade avec choeur mais sans aucune percussion. Assez endormant si on n'aimes pas particulièrement les choeurs.

Si on inclut "Non, ne me dis pas non", "La ville «Underground»", les divers versions de "Un jour..." et "Pauvre amour"; le compte des balades monte à 8 sur 13. Même si bien orchestré, ça en fait beaucoup. Trop même. Somme toute la B.O. de L'initiation est assez sage pour un film "osé". Même si ce n'était pas la trame sonore la plus avant-guardiste, L'initiation allait tout de même donner une première légitimité au sous-genre des musiques de films érotiques québécois.

MP3: Téléchargez l'album complet

Psyquébélique interviewé dans L'Exemplaire

2009-11-17T10:21:00.009-05:00

Samedi le 14 novembre au CÉGEP de Limoilou, avait lieu le 2ième spectacle du groupe Érotique PQ. Je n'ai malheureusement pas pu assister au spectacle mais on m'a interviewé dans le journal de l'Université Laval (L'Exemplaire) édition du 18 nov 2009. Le sujet étant bien sûr les trames sonores de films érotiques québécoises.

Psyquébélique cité dans La Presse

2009-11-16T09:24:00.012-05:00

Psyquébélique a été cité dans La Presse ce samedi 14 nov. 2009. Le titre de l'article (L'an zéro) est une citation de mon article du 14 décembre 2008.

L'article de Jean-Christophe Laurence relate la réédition en DC de l'album "The Montreal Scene" de Nick Ayoub. L'instigateur de cette sortie, Charles François Cyr, est interviewé au sujet de son étiquette de disque Ear This Records et de ce que représente pour lui l'album.

Psyquébélique vous encourage fortement à acheter cette réédition. The Montreal Scene est un classique oublié.

L'Amour humain / François Cousineau 1970

2009-11-09T21:15:00.023-05:00

Voici un complément à mon article sur les trames sonores érotique de François Cousineau.

Ce 45t est un des 2 maigres enregistrements tirés de la trame sonore du film "L'amour humain" (Denis Héroux 1970). L'autre est la balade du trio Dufresne/Plamondon/ Cousineau: "Une fleurs sur la neige" (chanté/intrumental). Celui-ci est clairement le meileurs des deux. J'ignore pourquoi aucunes des deux pièces n'ont été inclu sur le LP "Les plus célèbres musique de films du Québec" de François Cousineau. Rien de spectaculaire, mais "La machine à faire l'amour" et "le thème de Julien" sont aux moins aussi bonnes que le thème chanté du générique de L'amour humain (Une fleur sur la neige). Ce thème (chanté par Diane Dufresne) est le seul de ce film à s'être retrouvé sur le LP "Les plus célèbres musique de....François Cousineau.

Remarquez le nom de l'étiquette: "Initiation". Aucun lien avec le film sinon que "L'amour humain" et "L'initiation" ont tout deux été produit par la même maison de production (Cinépix) et par le même compositeur. Selon moi Initiation est l'ancêtre de l'étiquette Gap records.

Revenons à la musique. Thème pour Julien est une compo pour orchestre non sans rappeller les BO de Western spaghetti d'Ennio Morricone. Guitare, violon, percussion style militaire. Les orchestrations sont de Yves Lapierre.

Quoique un peu vulgaire au niveau du texte, "La machine à faire l'amour" est la plus Pop des deux pièces. Le texte parle d'une sorte de poupée gonflable mécanique. Elle avait été écrite avec la collaboration de Jean-Guy Chapados et Marcel Lefèbvre. On y entend guitare, basse, batterie, cloche à vache, choeur masculin. Un rock typique de l'époque. Le ralenti et la reverberation vers la fin rajoute une touche un peu psyché.

La machine à faire l'amour

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La maison hantée / Boris 1970

2009-10-30T10:44:00.019-04:00

Pour l'halloween, voici probablement le premier disque "de peur" fait au Québec.

J'ignore qui est ce Boris, mais le nom est sûrement inspiré de l'acteur le plus connu ayant interprété Frankenstein au cinéma (Boris Karloff). L'illustrateur de cette superbe pochette non plus n'est pas identifié malheureusement.

À moins d'être facilement impressionable, le disque n'est pas très épeurant. Il se voulait même drôle par moment; notamment la fin de la piste "Le supplice de la goutte". Je dirais que c'est plus un disque d'effets sonores étranges que d'histoire de peur.

Les pièces sont assez courtes en général (la plus longue est 3:06). Le narrateur à la manie d'ééééééétirer les syllables pour créer un effet (ou pour rallonger la durée ?). Une choses est sûre, c'est clairement adressé aux enfants. Boris utilise des phrases comme: "Il est très tard le soir et vous venez juste de terminer vos leçon avec votre copain...".

Le tout donne l'impression d'avoir été enregistré à la hâte. Écoutez le début de la pièce "Ton petit chat noir"; il y a un faux départ qui n'a même pas été effacé pour l'enregistrement final.

Mon "histoire" préférée est celle qui se déroule dans l'espace: "Les martiens verts". Tout de même rigolo !

Les martiens verts

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Les plus célèbres musiques de films du Québec / François Cousineau 1972

2009-10-18T11:22:00.093-04:00

Voici le troisième d'une série d'articles sur les trames sonores de films érotiques de l'étiquette Gap Records.

Ce disque se distingue de plusieurs façons du 1er et 2e du même étiquette. Premièrement, le compositeur est, cette fois-ci, François Cousineau.

Deuxièmement, il s'agit d'une compilation des musiques de quatre films différents fait entre 1970 et 1972 (tous érotiques et tous produit par le studio Cinépix): L'initiation, l'Amour humain, 7 fois par jour, Le diable est parmi nous. Cousineau n'était pas à sa première trame sonore quand cette compilation est sorti. Dès 1965 il avait notamment fait la B.O. de "La corde au cou".

Troisièmement ce disque est, en quelque sorte, le premier album de Diane Dufresne. En effet, tout dépendant comment on calcule, on peut l'entendre sur 9 des 11 chansons du disque. De plus, ces chansons ne se retrouvent pour la plupart, sur aucuns autres albums ultérieurs.

Sur "Les plus célèbres musique de films du Québec" on retrouve (en plus du couple Cousineau-Dufresne), l'ajout de Luc Plamondon aux textes. C'était là, la première manifestation du trio auteur/compositeur/interprète le plus célèbre de l'histoire de la musique québécoise.

Quel est le résultat ? Rien de très extraordinaire finalement, à moins de vraiment aimer les balades. Mais c'était le premier essai du trio. Faudra vraiment attendre le 2ième album de Dufresne pour voir les étincelles. Mentionnons tout de même la très rythmée: "D'vant ma télévision, je m'ennuie de toi".

Selon moi, les meilleures pièces de cet album sont clairement les instrumentaux de Cousineau. Presque toutes viennent du désormais culte "Le diable est parmi nous". En revanche, ces pièces sont en minorité comparé à celles chantés.

Tout dépendant si vous regardez la pochette ou l'étiquette, l'identification des pièces peut porter à confusion. Sur la pochette, les pièces apparaissent sous-divisés et sur l'étiquette amalgamées. Disons aussi que plusieurs des morceaux sont courts et étaient probablement subordonnés (en longueur) à la scène pour laquelle ils avaient été composée (d'où le regroupement en plages plus longues sur l'étiquette).

Prenons la première pièce du disque. La division de la pochette la sépare en 5 parties. La deuxième pièce elle (Thème du bon), serait une entité unique. Et ce même dans la division des sillions du vinyl. Malgré cela, Psyquébélique affirme qu'il y a probablement eu erreur d'étiquetage. Dans les faits la pièce "Le diable est parmi nous", n'inclu probablement que 3 parties (A,B,C). Les deux autres (D,E), devaient former la pièce "Thème du bon". Il faut écouter pour comprendre.

Revenons à la musique. "Thème du bon" est LE morceau qui fait le disque. C'est une compo funky de type blaxploitation des années 70 avec tout ce que ça implique. Une longue intro de guitare & piano est suivi de cuivre & batterie. Vraiment une des meilleures compo Québécoise funk de tout les temps.

Autre morceau digne de mention: "La chanson Bi". Comme sont nom l'indique, c'est une pièce en deux parties. La première est chantée en anglais et la deuxième est instrumentale. La deuxième partie est presqu'une pièce en soit. Une intro tout en percussions (conga, batterie), puis piano, basse et guitare se rajoutent. Un funk lent mais bien senti.

Remarquez aussi sur la pochette la multitude de variation qu'on a ajouté à côté du préfixe "Bi". Sûrement la touche de Plamondon.

Pour conclure, le disque offre peu en frais de musique instrumentale (surtout pour une compil de trame sonore). Drôle à dire mais pour un disque de François Cousineau, j'aurais aimé qu'on lieu face plus de place. Le peu qu'on entend de ses compo vaut le détour et compense pour le reste de ce disque, somme toute, assez ordinaire. Reste à souhaiter une réédition de François Cousineau, un autre de nos compositeurs trop longtemps sous-estimé.

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Psyquébélique diffusé à New York # 3

2009-10-07T15:47:00.016-04:00

Voici une troisième émission enregistré avec mon cher collègue Peter Gunn (du Blog Tête Carrée). Lors de son dernier passage cet été (en plein festival de Jazz), Peter en a profité pour enregistrer une autre émission de "Clean & Humble" portant sur Montréal et la musique québécoise. J'ai eu le plaisir d'être son invité.

L'émission fut diffusée lundi le 13 juillet 2009 de 20h-21h sur les ondes Viva-radio (Brooklyn/New York). La playlist est disponible dans la section commentaire.

Écoutez l'émission:

MP3: Téléchargez l'émission
Visitez le site de Clean & Humble

Visite de la section musique à la BNQ

2009-09-25T05:42:00.022-04:00

Le 24 septembre avait lieu la première visite officielle de la collection de musique de la Bibliothèque et archives nationales du Québec (à Montréal). Quoique vitrée, cette section du 4ième étage était resté fermé à clé depuis l'ouverture de la grande bibliothèque en 2005. Un peu comme un gateau sous une cloche de verre; pour plusieurs collectionneurs, c'était devenu un supplice d'aller au 4ième et de voir autant de disques sans pouvoir les toucher.

Après une présentation sur l'éventail du contenu musical, les gens de la collection musique nous on gentiment dévérrouillé les fameuses portes.

LE FAIT SAILLANT DE LA SOIRÉE:
On nous a appris qu'on pouvait demander une copie de n'importe quel disque en leur possession pour autant qu'il ne soit plus disponible sur le marché (ce qui inclu pas mal de bon disque). Bonne nouvelle pour tout le monde ! Si vous n'êtes pas près à dépenser ce que peut coûter un disque rare ou si vous hésitez avant d'acheter un "gros morceau" ; vous pourrez vous faire faire une copie. Il y a tout de même un délai avant d'obtenir sa copie.

Quelques uns des bloggueurs y était. Comme on peut voir sur la photo, votre humble serviteur ainsi que mes collègues de Patrimoine PQ et Vente de garage tentions de ne pas trop saliver sur l'orgie de 45t devant nous.

Une seconde visite est prévu pour le mois de novembre. Avis aux intéressé.

Y'a plus de trou à Percé / Paul Baillargeon 1971

2009-08-24T11:46:00.093-04:00

"Y'a plus de trou à Percé" fait partie de la courte liste des trames sonores de films érotiques Québécois ayant été édités à l'époque. À défaut d'avoir produit de bons films, cette mode (1969-75) aura au moins permit d'immortaliser de la très bonne musique.

Cinépix était la maison de production Montréalaise ayant produit le plus de films du genre. Mentionnons; Valérie (1969), L'amour humain (1970), L'initiation (1970), Viens, mon amour (1970), Pile ou face (1971), Y'a plus de trou à percé (1971) et La pomme, la queue et les pépins (1974).

Cinépix n'a malheureusement fait paraître que trois albums et deux 45t. Tous sont sortis sur l'étiquette de disque "Gap records" (une filiale musicale ?).

La B.O. de "Y'a plus de trou à Percé", est un cas spécial; c'est la deuxième de cette série de trois disques.

Le film date de 1971 et sa B.O. fut composée par le grand Paul Baillargeon. Tout comme pour "Viens mon amour" (sortit l'année précédente et composé par Baillargeon aussi), "Y'a plus de trou à Percé" possède une version anglaise (pochette, nom des pièces...) ainsi qu'un 45t. Le film est sortit en anglais sous le nom "Loving & Laughing". La chanson thème était chanté par Patsy Gallant et sa version anglaise par Sharon Lee Williams. Les pochettes anglaise & française inclus une photo de Gallant & Williams respectivement. On n'aura rarement vu des producteurs se donner autant de mal à s'adapter au marché qu'ils essayent d'exploiter.

Le nom de Dean Morgan reste un mystère selon moi. Sur les deux premières B.O. de Gap Records, Dean Morgan est crédité au côté de Baillargeon sur les pochettes.

Mais lorsqu'on regarde attentivement l'étiquette centrale (de "Viens, mon amour"), il n'est crédité que sur les chansons chantés (et non sur les instrumentaux).

Sur "Y'a plus de trou à Percé", son nom est partout ou celui de Baillargeon l'est. Pourtant, cet homme n'est listé sur aucun site de compositeurs tel Discogs. Sinon, sur IMDB, il n'est listé QUE sur trois projets de films (les 2 de Cinépix + 1 autre). Tous ont été fait AVEC Paul Baillargeon. Est-ce qu'il faudrait croire qu'il n'aurait rien composé seul ... Ou sans l'aide de Baillargeon ? Est-ce simplement un producteur ou peut-être un prête-nom ?

Sur le site "Waxing Deep", Baillargeon accorde une courte entrevue à Dan Zack au sujet de ces deux trames sonores pour Cinépix. Il n'y fait aucune mention de la collaboration de Dean Morgan. Conclusion ? Tout ça mis ensemble, Psyquébélique croit que Baillargeon est fort probablement l'unique compositeur des B.O. de "Viens, mon amour" et "Y'a plus de trou à Percé".

Revenons à la musique. Peut-être moins spectaculaire que les autres trames sonores érotique, celle-ci est non moins intéressante. Le style de la majorité des pièces est ce que les anglais appellent du "Soft-Psych". C'est à dire des balades/folk mais avec une touche d'électronique. Le tout donne une saveur un peu étrange. Prenons la version instrumental du thème, le son fait très film d'horreur de Jess Franco. Un clavier électronique est combiné avec un piano et à cela est rajouté des effets sonores. L'intention semble être de créer un atmosphère bizarre et déconcertante.

Autre particularité, ce disque inclu une rare pièce du groupe Le coeur d'une génération.

"Ton Amour", est une pièce de style "Sunshine Pop" comme seul ce groupe semblait avoir la formule au Québec. Harmonies vocals, tambourine, guitare sèche; une variation plus sophistiqué des chansonniers finalement.

Le film incluait une rare performance filmé du groupe Le coeur d'une génération chantant "Mon amour". Mon collègue Sébastien de Patrimoine PQ a mit un clip sur Youtube (tiré de la version anglaise) montrant l'extrait de cette performance.

"Nous irons ensemble" de Patsy Gallant, est la chanson thème. Elle était sur le 45t. C'est une pop cuivré et convenu; semblable à Donald Lautrec. La pièce est crédité à Baillargeon, Morgan mais aussi Robert Gauthier. Ce dernier avait composé la chanson thème de "Viens, mon amour" nommé "Emmène-moi" chanté par Louise Lemire.

Une des choses qu'on peut déplorer est que plusieurs des meilleurs pièces sont très courtes. Quelques unes sont incluses dans un "Montage" de 9:36 nommé "O Percé". Ce montage (mélangeant musique & dialogue) est divisé en 4 "sections" selon la pochette. Psyquébélique dénote en fait 8 sections musicales. Donc difficile d'identifier correctement les pièces qu'on aime. Je me contenterais de les nommer par leur numéro.

La première pièce de "O Percé" par exemple, est similaire à la pièce "Gaspé adieu" du côté B. Ces pièces sont dans le style des B.O. de western spaghetti mais version électronique. Combinaison inusité s'il en est une.

Autre fait saillant, le quatrième extrait musical de "O Percé". Il s'agit d'une courte compo électronique (0:46) tout en mélancolie. Dans l'esprit de ce que Michel Robidoux et Pierre F. Brault allait faire comme musique pour l'émission "Passe-Partout" quelques années plus tard. Le son de Baillargeon aurait-il eu un impact sur ce duo ?

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Après Ski / Jacques Crevier Illustration 1971

2009-07-25T17:29:00.190-04:00

Après Ski c'est la genèse du Funk Québécois. Avant 1971, Il y a eu quelques 45t, mais disons que c'est le premier albums Funk fait par des musiciens Québécois. Tout de même étonnant que ce fameux premier album du genre ait été composé pour rien de moins qu'un film érotique. Voici donc l'histoire d'un style musical née dans le vice.

Jacques Crevier est un personnage qui, au fil du temps, a donné lieu a toutes sortes de spéculations. On a dit de lui qu'il était un français qui n'a travaillé que brièvement au Québec; que son nom était le pseudonyme du groupe Chicago. ~~La vérité est probablement moins spectaculaire~~.

Le ~~seul~~ mystère selon moi est le nom de Diane Huggan sur l'étiquette centre du disque. Ce nom ne correspond à aucune musicienne, compositrice, chanteuse connu ou répertorié. Probablement une histoire de prête-nom de la part du producteur pour encaisser des droits d'auteurs. Enfin. À ma connaissance Crevier n'était qu'un compositeur/arrangeur peu connu qui a surtout travaillé dans l'ombre de plusieurs chanteurs/euses Pop. Mentionnons seulement: Jacques Boulanger, Pauline Julien, Anne Renée, Claude Valade et Tony Roman.

******************************DU NOUVEAU******************************
Mon collègue Félix de Vente de Garage vient de faire toute une découverte. Il semblerait que l'ensemble de Jacques Crevier aurait été nul autre que le groupe Montréalais Illustration.

RICHARD TERRY—BASSE
GARRY BEATTIE—GUITARE
JOHNNY RANGER—ORGUE
CLAUDE ROY—BATTERIE
BILLY LEDSTER—VOIX
GLENN HIGGINS—SAXOPHONE TENOR
NORMAN BURGESS—SAXOPHONE BARITONE
ROGER HOMEFIELD—TROMBONE
BENOIT PERREAULT—TROMPETTE
BILLY SHIELL—TROMPETTE

Dans une entrevue à Félix de Vente de garage, le leader dénommé John Ranger affirme avoir tout composé les pièces à l'exception d'une et minimise le rôle de Jacques Crevier:

"Jacques Crevier did nothing. He is a fake. He took all the credit, but I did all the writing."
******************************DU NOUVEAU******************************

Probablement que les collectionneurs Québécois n'arrive pas à croire que quelqu'un qui aurait composé un disque aussi bon que la B.O. du film "Après Ski" aurait pu s'arrêter-là. Mais ça serait mal connaître l'histoire culturel du Québec. Il y a tellement d'artistes surdoués (en BD, cinéma, littérature ...) qui, pour toutes sortes de raisons géo-culturel, s'arrêtent après 2-3 chef-d'oeuvres. Même les plus talentueux n'ont pas toujours une longue carrière ici.

Autant par sa rareté que par sa qualité, Après Ski fait saliver bien des collectionneurs. La trame sonore de ce film est devenu le St-Graal du Funk Québécois; notre ambassadeur Funk à l'étranger . Il est l'origine du genre mais reste indétrôné (après toutes ces années), au sommet de la courte liste des meilleurs album Funk Québécois. Liste qui incluerait (selon Psyquébélique) Jérémie de Lee Gagnon (1973), Le deuxième album du Ville Émard Blues Band (1975), l'album brun de Luc Cousineau (1976) et Ovila de Ovila Blais (1976).

Le titre Après Ski vient bien sûr de l'expression faisant référence au côté social de ce sport nordique. Une pub de Pub de Pepsi datant de 1988 illustre un peu le sense.

En fait, ce film de Roger Cardinal était l'adaptation du roman de Philippe Blanchont paru en 1966. À l'endo on peut lire:

"Un roman basé sur les faits authentiques de la liberté sexuelle qui se déroule sous prétexte du sport dans nos centres de villégiature canadiens."

Le film quand à lui, suit cette veine et raconte les histoires "amoureuses" de quelques moniteurs de ski dont Marc (joué par Donald Pilon). Après avoir batifoler avec ses étudiantes, Marc finit par tomber amoureux de Terry Lopez (Céline Lomez). Pour être gentil, je qualifierais le scénario de "léger". Coïncidence ou non, vingt ans plus tard, un film au concept drôlement similaire est sorti au États-Unis: Ski School (1991).

En 1971 au Québec, le cinéma est en pleine révolution sexuelle depuis Valérie (1968). Une vague de film érotique tantôt appelé "Déshabillons la québécoise", tantôt "Maple Syrup Porn" fait rage. Autour de ce noyau, orbite les plus talentueux artistes de l'époque (musiciens, illustrateurs). Mais cette mode est loin de faire l'unanimité.

Tout d'abord plusieurs membre de l'équipe d'Après Ski renièrent le films une fois qu'il sorti en salle (dont Donald Pilon et le scénariste Pierre Brousseau). Trouvant le film mauvais, ils prétextèrent y avoir participé pour des raisons strictement financières. Puis un curé de St-Roch parti en croisade anti-pornographique contre "Après Ski" et "Piles ou Face". L'affaire se transforma en mini scandale. À cause d'une pétition adressé au Ministère de la justice, des bobines du film furent saisient à Québec. L'association des Réalisateurs manifesta contre ce retour en arrière vers la censure. La position du ministre Choquette ne fit pas l'unanimité au sein du caucus libéral de Robert Bourassa. L'histoire se régla grâce au premier ministre. Il intervenu personellement dans le dossier suite à une rencontre avec les membres de l'association des réalisateurs.

Le film connu malgré tout un grand succès, la croisade du curé Lavoie donna tout un coup de pouce publicitaire à Après Ski. Comme plusieurs films érotique d'ici, il suscita la curiosité au Canada anglais. Il fut doublé et distribué sous différents noms à l'étranger: Winter Games (CAN), Sex in the Snow (G.B.), Meta to ski (Grèce) et Snowballin' (É.U.). Des scènes "hard" avaient été rajoutés par le distributeur états-unien dans cette version.

Ce qui est drôle avec le recul aussi, c'est la brochette d'artiste "respectable" qui on joué dans ce film érotique: René Angelil, Janine Sutto, Francine Grimaldi et Raymond Lévesque (pour ne mentionner que ceux-là).

Mais revenons à la musique. La Face 1 de l'album contient surtout des balades de vedettes de la Pop ronflante de l'époque. Marc Hamilton (Comme elle sont belles les filles), Mariette Lévesque (Dors avec moi), ainsi qu'une balade instrumentale (Les amants). Céline Lomez chante le thème (Après Ski).

Étrangement, une version de ce thème fut joué à l'époque par le jeune organiste (trop jeune "légalement parlant" pour avoir pu voir le film) Maurice Desjardins. Avec beaucoup moins de budget et d'instruments (Batterie, guitare et orgue), il réussi à faire une adaptation franchement plus rythmé que l'originale. Pas mal pour un garçon de 12 ans ! Cette version est disponible sur le site de mon collègue Vente de garage.

Maintenant passons aux choses sérieuses; la musique Funk du côté B. Le nom de ~~Crevier~~ John Ranger n'est ~~presque~~ pas visible ~~et n'est inscrit qu'a l'endo~~. C'est tout de même ironique avec le recul de constater que ce qui a le mieux vieillit de cette trame sonore est ce qu'on cachait ~~quasiment~~ à l'époque.

Le Funk était utilisé au départ dans les films d'action afro-américain, mais est devenu, avec le temps, synonyme de musique porno. Des films comme Après Ski ont certainement contribués. L'année de sortie d'Après Ski (1971) coïncide avec le tout début de la vague de films Blaxploitation au États-Unis (Shaft 1971, Super Fly 1972 ...etc).

Le son des pièces de ~~Crevier~~ Illustration est typique des meilleures trames sonores de l'époque. Un orchestre dominé par les cuivres et percussions. Un mélange des B.O. de films d'agents secret fin 60's (cuivres solennels), mais avec une touche de Funk 70's (cuivres plus libidineux, ajout d'orgue, basse et de guitare Wah Wah). Quelque part entre la porno et les séries policières.

Les pièces de ~~Crevier~~ Illustration nommé "La course endiablé", "Le doux renard", "Le grand Marc", "Les yeux brulant" sont de purs joyaux. "La course endiablé" est la dernière pièce de la Face 1. Trop courte (1:03), une sorte de geuleton avant le plat principal. On dirait presque de l'Afro-beat avant l'heure.

La meilleure pièce est clairement "Le doux renard" (quoique l'intro et la conclusion s'éternissent légèrement). Cette pièce fit partie de la compil "Canadian Racer" (2002) mais fut mal identifié. La combinaison d'instruments à vent lourds (sax baryton) et aigus (trompette) dynamisent la section cuivre.

La pièce "Le grand Marc" est un funk circulaire et accrocheur. L'omniprésence de l'orgue la distingue des autres pièces. "l'âme de feu" est une pièce strictement Jazz. La trompette sourdine est à l'honneur, mais elle est appuyée d'une lourde section cuivre qui lui donnent un certain prestige. "Les yeux brulants" conclu l'album en beauté. Similaire à la pièce "Le doux renard" mais plus down-tempo.

Avis aux intéressés, en 2007 le distributeur Équinoxe Films a réédité le film en DVD (et changé la pochette blanc neige d'Après Ski en turquoise ?!?).

De plus, tout récemment (en 2009), un groupe nommé Érotique PQ s'est formé. Ils se sont donnés pour but de rendre hommage aux trames sonores de films érotique Québécois. Sur scène il réinterprétent une sélection des meilleures pièces. Ils ont une page Myspace et dans un extrait de leur spectable au Off festival d'été de Québec (disponible sur Youtube), on peut entendre "Les yeux brulants" tirée d'Après Ski.

Finalement cette trame sonore est un chef d'oeuvre musicale oublié. Comme tout les autres disques Funk Québécois, Après Ski n'est toujours pas réédité en DC. Le peu de copie restant de ce disque, sont fort probablement en majorité à l'étranger. Le plus triste dans tout ça, c'est que tout une génération de musiciens Québécois ignore son existence et vont puiser leur inspiration chez des artistes américains ou français. Quand on sait combien cette B.O. est recherché au États-Unis et en France, c'est d'autant plus ironique. On est jamais prophète dans son propre pays !

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Yvan Landry Quartet / Café au lait 1969

2009-07-03T04:06:00.061-04:00

Yvan Landry est considéré comme le premier vibraphoniste professionnel au Canada/Québéc. Il aurait commencé dans le Jazz dès les années 50. Malheureusement, les seules enregistrements qui reste de lui, dates des années 60.

Durant sa longue carrière, il collabora avec de nombreux musiciens tel que: Claude Léveillée, André Gagnon, Bix Belair et Buck Lacombe... Mais avant tout, il fut leader de diverses formations Jazz, la plupart des Quatuors.

De 1961-68 il composa 7 trames sonores pour l'Office national du film (dont "Voir Miami" de Gilles Groulx 1963). En 1971 il représenta le Canada au Festival de Jazz de Montreux en Suisse.

Selon le livre de John Gilmore, Landry aurait enregistré avec son Quartet en 1962, 1964, 1966 et 1967. De mes yeux, je n'ai vu que les enregistrements suivant:

-en direct de l'émission "Jazz en liberté" de 1964 (Transcription 1964)
-un album du nom de" Jazz en liberté/Jazz Break Out" (Capitol 1968)
-"Café au lait" (Capitol 1969)

J'ignore si Gilmore fait erreur dans ses dates ou si les enregistrements diffèrent des années de sorties des disques; mais à première vu, les dates ne coïncident pas. À moins que par "enregistrements, il ne fasse référence aux B.O. de L'ONF ? Mais même là, il manquerait des dates.

En plus (toujours selon le livre de Gilmore), Landry aurait enregistré en septet (1967) et en octet (1972). J'ignore où se trouve ces enregistrements, mais ni moi, ni la bibliothèque nationale les avons en tout cas.

Fait étonnant, si on se fit à ce qui est écrit sur les pochettes, même ses deux "vrais" albums (sur Capitol), aurait été enregistré en direct ET dans le cadre de l'émission "Jazz en liberté" de Radio-Canada.

Mais revenons à "Café au lait". Je ne peux pas parler de cette album sans glisser un mot sur l'arrière de la pochette. Un coup d'oeil à la photo et on réalise que 1969 était vraiment une autre époque. Cette image serait fort probablement considèré comme sexiste aujourd'hui (deux femmes au pied d'un homme). On ne voit maintenant ce genre de pose que sur des albums de "Gangsta Rap" ou sinon c'est l'inverse sur l'album d'une chanteuse (hommes au pied d'une femme, ex: Madonna).

Sur "Café au lait", Landry y joue ses propres compositions. Ce qui frappe d'emblée, c'est qu'il n'y a aucun cuivre sur cet album. Le quatuor est composé d'une batterie, une contre-basse, un piano et d'un vibraphone (aucun musicien n'est identifié). Le son est très lounge. Ses détracteurs diraient que c'est du Jazz "sage". Mais le vibraphone est rarement le genre d'instrument qui fait taper du pied. Il est surtout joué down-tempo, et associé à de la musique fait pour boire des Martinis. Un son lent mais sophistiqué.

Il y a bien sûr eu quelques vibraphonistes qui jouaient à quatre baguettes (2 par mains donc plus rapide), mais Landry n'était pas de cette école-là. Le plus accèléré que Landry a joué sur "Café au lait" est sur une pièce comme "Éclair au chocolat". Mais le rythme vient au moins autant de la batterie et du piano.

Autre pièce intéressante, "Dimanche à Rio". Avec un titre comme ça, on peut s'attendre à de la Bossa Nova. Effectivement, ça en ait. Il semble qu'à l'époque la Bossa (et même la musique sud américaine en général) commençait à laisser des traces en occident. Juste dans le Jazz Québécois, mentionnons l'exemple de Nick Ayoub qui avait fait un album complet de Bossa Nova en 1962.

La pièce titre de l'album (Café au lait), est la plus longue (5:55). Le thème est circulaire et accrocheur.

Sinon l'album s'écoute de A à Z sans déplaire ni attirer l'attention. Agréable et Léger. De la musique d'été quoi.

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Ti-Poil et PSYQUÉBÉLIQUE vous souhaitent une bonne St-Jean !

2009-06-23T14:00:00.011-04:00

"J'suis pas un Pepsi" des Sinners me semble être une pièce appropriée pour la St-Jean (ne serais-ce que pour le rythme et le titre). Elle est tirée du dernier album des Sinners: "Le chemin de croix de Jos Roy" 1976.

J'suis pas un Pepsi

MP3: J'suis pas un Pepsi / Les Sinners 1976

We Can Make It / Purple Flash 1984

2009-06-19T11:55:00.055-04:00

Voici une autre pièce de Pierre Perpall. Il est un des meilleurs artistes à avoir fait de l'Italo-Disco au Québec.

Je compare souvent "We Can Make It" à "Over & Over". Ces pièces sont similaires à plusieurs points de vues. Les deux sont sortis en 1984 sur l'étiquette Ovni. Les deux pièces on bénéficiés d'une version 7" et 12". Le style aussi; Italo-Disco (down-tempo mais percussif).

La différence majeur entre les deux est que Perpall avait composé "Over & Over" pour quelqu'un d'autre (Martin Stevens). Aussi, le côté B du 12" d'Over & Over contenait la version instrumental.

"We Can Make It" avait été composé par/pour lui sous son pseudonyme: "Purple Flash". Cette pièce connu un étonnant succès.

Le côté B de l'édition original (Ovni) 7" et 12", contenait la très ordinaire pièce: "Do You Like Me".

La pièce fut réédité au Pays-Bas sur l'étiquette "Injection Disco Dance Label" en 1984. Exactement comme sur Ovni. Côté A: "We can Make It" (chanté), côté B: "Do You Love Me". Fait interessant, une pochette photo avait été fait pour cette édition.

La pièce aurait aussi été inclu sur un disque d'exercice nommé "Ken Alan's Aerobic Beat, Music for Workout vol.3" (probablement sorti l'année même).

La version instrumental par contre, ne se retrouve que sur la réédition Étas-Unienne (étiquette JDC Records 1984).

En 2004, l'étiquette Environ a réédité "We Can Make It" dans sa série Unclassics. La version chanté se retrouve du côté A et un remix de Darshan Jesrani du côté B.

Les plus grand succès de Pierre Perpal ont été réédités en 2 CD et je vous encourage fortement à le (re)découvrir.

Psyquébélique vous offre la très rare version instrumental. Écoutez cette superbe compo quelque part entre le disco et l'électro. Ce qui est frappant (tout comme "Over & Over"), c'est que la pièce serait pratiquement une balade si ce n'était des percussions. On pourrait dire que c'était la recette typique de "l'italo-disco".

MP3: We can Make It / Purple Flash

Obsession / Nudimension 1984

2009-05-31T18:27:00.066-04:00

Quinconque fouille un peu dans les origines de l'Électro/New Wave au Québec, se rend vite compte que la décennie 80 est remplie de rendez-vous manqué. Plusieurs groupes auraient pu/dû percer mais n'ont pas abouti pour toutes sortes de raisons. Voici le cas de Nudimension.

Nudimension c'est surtout Louis Rondeau (clavier, batterie, voix, texte) mais aussi Marc Fontaine (texte, gérant, montage des clips). Les deux s'étaient connu du temps du groupe 222's. Rondeau (Louie Louie) y était batteur et clavieriste. Marc Fontaine était assistant-gérant (le gérant était François Doyon).

En 1981, tannée des tournées à l'extérieur du Québec des 222's (étant donné que leurs compo/public étaient anglais), Rondeau et Pierre Major décident de mettre fin aux activités du groupe. Major continuent un peu dans la même voie et fondent 39 Steps avec l'ancient chanteur Chris Barry. En entrevue, Louis Rondeau dit qu'à cette époque lui voulait plutôt: "explorer de nouvelles dimensions musicales" et que l'Électro était un style qui lui permettait ça. Son but était de faire de la musique sans les inconvénients (tournées, promo, dépenses, chicanes de groupe....). Il voulait composer seul tout en contrôlant de A à Z le contenu créatif. Un peu comme Denis Lepage (Lime) et Pierre Perpall (Purple Flash, Pluton and the Humanoïd), Louie Louie voulait faire un groupe de studio. Le père de Marc Fontaine était propriétaire du "Studio Fontaine" (aujourd'hui Lamajeure); donc l'accès à de l'équipement d'enregistrement était facile pour eux.

Nudimension est un des groupes Électro Québécois ayant le mieux capturé l'esprit musical de son époque. Presque personne ne se souvient d'eux aujourd'hui mais il y a 25 ans, pendant un certain temps, on pouvait les entendre sur la majorité des stations radio & télé. Malheureusement pour nous, aucun albums regroupant leur chanson n'est sorti à ce jour et les quelques 45t de l'époque sont très dur à trouver.

Par contre, fait assez rare, Nudimension ont laissé beaucoup de vidéoclips derrière eux. Très tôt Nudimension ont compris le pouvoir des images. Ils sont définitivement le groupe Électro québécois en ayant enregistré le plus. L'explication est fort simple. Avec d'autre, Marc Fontaine produisait l'émission phare montréalaise "Musi-vidéo" sur une chaîne de télévision communautaire anglophone CF cable TV. Nudimension avait donc du contenu video dès le début des vidéoclips et un accès privilégié pour le présenter. Marc Fontaine a d'ailleurs créé une page Youtube regroupant tout les clips de Nudimension.

Grâce aux patientes heures de numérisation de Marc Fontaine, les archives de "Musi-vidéo" aussi sont disponibles sur sa page Youtube. Psyquébélique vous encourage à consulter ce site. Les archives de Musi-vidéo sont une mine d'or d'informations sur la scène Montréalaise pré-MusiquePlus. On peu malheureusement y constater le ravage identitaire que l'échec du référendum de 1980 à eu sur l'attachement des jeunes à leurs langues. Très peu de clips sont en français. Mais c'est tout de même fascinant de voir la genèse de l'objet médiatique qu'allait devenir le vidéoclip. Au tout début ce n'était souvent que des perfomances filmés. Un peu d'éclairage et de montage. Lip-synché dans la majorités des cas. Le vidéoclips commençait à peine à devenir l'outil de promotion, le culte, l'industrie, qu'il est devenu.

Ce qui est important de Nudimension selon moi c'est que :

1-Ils étaient là dès le début du vidéoclip
2-Ils chantait en français
3-Ils faisait LE style musical qui à le mieux vieillit de cette époque: l'Électro
4-Ils le faisait bien

La pièce "Amour programmé" est leur plus gros succès et fut un tubes de l'année 1983. Leur deuxième succès fut "Obsession". La version anglaise (Rendez-Vous) aurait été édité au Mexique sur l'étiquette Peerless et aurait été numéro #1 au palmarès. Leurs autres 45t de l'époque sont particulièrement dur à trouver. De mes yeux, je n'ai vu que "Amour programmé" (1983 / illusion) et "Obsession" (1983 / Saisons). À ce sujet, Marc Fontaine m'écrit que:

Pour ce qui est des 45t et 12p...il a aussi eu "Obession" anglais (nommé "Rendez-vous"), "Planète Sauvage" français, "Hors-la-loi" français, "Big Boy" au É.U. (anglais) seulement. Il y a (sûrement) d'autre que Ben Kaye a sorti un peu partout en europe (Amérique Latine) mais je ne suis pas sur quoi ou quand, parce que desfois il faisait des passes sans nous en parler

En effet le célèbre Ben Kaye a été l'impressario de Nudimension. Il a aidé le groupe à bien se positionner au Québec et à se faire connaître à l'étranger (notamment avec "Amour Programmé"). Malheureusement pour eux, au moment même où le groupe commençait à prendre son envol, un vieil ami de Kaye (René Angelil), est venu lui demander son aide pour démarrer la carrière d'une jeune chanteuse (une certaine Céline Dion). Malgré un début très prometteur, le groupe ne s'est jamais trouvé un impressario aussi efficace par la suite. Ce fut en quelque sorte, le début de la fin de Nudimension. Ils ont continués à tourner des clips et étaient diffusés sur divers émissions "vidéo" à l'époque; mais Louis Rondeau parle d'une certaine panne d'inspiration et d'une frustration face à la stagnation professionnel post-Ben Kaye. La mode musicale commençait à changer aussi vers la fin 80. Le "contenu adulte" de certains des derniers clips a du les barrer de certaines émissions.

Écoutez l'entrevue:

Louis et Marc nous brosse le portrait d'une époque: la scène électro de 1981-86 (avant la fondation de Musique Plus). Une scène fragmentée, manquant de solidarité. Ils y parlent de l'après 222's; du processus créatif; des collaboration avec François Matte; de l'avant et après Ben Kaye pour Nudimension; en passant par le tout premier groupe de Louis "Octopus".

Avis aux interessés ! Une réédition des succès de Nudimension est maintenant disponible sur itunes.

Louis espère un jour que les chansons de Nudimension soient reprises par des groupes de la deuxième vague Électro. Écoutez tout de même "Obsession" qui date de 1984. Les côté A et B de ce 45t sont identiques.

MP3:
Obsession / Nudimension

Complètement gaga / Estelle Reich 1983

2009-05-21T12:24:00.023-04:00

Estelle Reich c'est d'Estelle Éthier. Elle était la clavieriste du groupe Bill. À ma connaissance "Complètement gaga" est son seul enregistrement sous ce pseudonyme. Selon les crédits, elle fut aidée par J.F. William et Serge Laporte (tout deux membres du groupe Bill avec elle). Autant dire qu'il s'agit d'une compo de Bill.

La pièce est sorti en 1983, la même année que le dernier album du groupe. Ce 45t est sorti sur le même étiquette aussi: "Tracey". Il est fort à parier que cette maison de disque était l'oeuvre du producteur des albums de Bill: Steven Tracey Eisenberg.

Pourquoi Reich ? Des trois albums de Bill, la seule chanson sur laquelle on a pu entendre chanter Estelle Éthier c'est sur la pièce: "Ma nuit avec Adolphe". Peut-être y a t'il un lien entre cette chanson et son nom de scène "Reich" ... Adolphe (Hitler).

En 1990, elle sortira un album sous le nom de "Estelle Esse".

"Complètement gaga" est une compo qui met l'accent sur les claviers, rien de très surprenant venant d'une claviériste. Ils y sont par moment très incisifs (probablement dû à l'utilisation d'un vibrato). Guitare et batterie accompagnent le tout évidemment. Le texte quand à lui, dénonce les effets de la pub. D'ailleurs, on intègre des extraits de commerciaux et de sonnette de porte (colporteur).

Rien de très extraordinaire, mais tout de même une bonne compo.

MP3: Complètement gaga / Estelle Reich

Si tu sais compter... / Cesarez 1983

2009-05-05T13:20:00.019-04:00

Cesarez semble avoir été un micro groupe. Et par micro, j'entend une seule chanson de produite.

D'après mes recherches, Cesarez aurait probablement même été formé par un couple d'amis. La chanson (ou du moins le texte) aurait été écrite et chanté par Cécile Gravel et/ou Danielle Godin. La production était de Gilles Gravel et Yves Godin (frère/soeur ou mari/femme ?).

L'info la plus complète semble venir de la version anglaise en 12" (If You Can Count) sur l'étiquette Lotus. Tous les noms y figures sauf un: M. Serpan (que l'on voit sur la version 45t). Fait interessant, la version anglaise a été reprise au Étas-Unis par "Janet Dailey And Senses".

Le style de voix de la chanteuse rappel un peu celui de la chanteuse française "Lio". Le texte est assez typique de l'époque Électro-pop, quoique léger en superlatif technologique. Voici un exemple:

"...Informatique à la cybernétique.
Au loi des corps physiques tu mêles des rythmes poétiques..."

Le son est synthétique comme toutes bonnes compos Électro. L'emphase est mis sur les claviers et persussions. Rien de très rapide mais tout de même accrocheurs. Psyquébélique vous les deux versions de ce 45t.

MP3: Si tu sais compter.../ Cesarez

Vivre sur vidéo / Trans-X 1983

2009-05-01T14:11:00.063-04:00

Trans-X c'est surtout Pascal Languirand; fils du célèbre animateur de Radio-Canada.

Après avoir commencé sa carrière musicale avec le nouvel âge (trois album de 1978 à 81), Languirand prit le virage Synthpop en 1981 en fondant Trans-X. Le groupe connu un succès Canadien dès le départ avec son premier single "Living On video" en 1981. La carrière de cette seule chanson mérite presque une biographie en soi tellement elle a connu de rebondissement. Disons brièvement que la chanson fut traduit en français 83, puis resortit en 1985 sur d'autres étiquettes en Europe. Elle a été remixé et repris par différents artistes depuis.

Deux albums de Trans-X existe. Sur Matra en 1983 "Message on the Radio" au Québec (mais à l'étranger l'album portait le nom de "Living On Video"). Et en 1988 l'album "On my own". J'exlus ici toutes compils de succès. Tout les compos/claviers étaient de Pascal Languirand mais lors de l'enregistrement du premier album, le groupe était composé notamment de Pierre Lacoste au percussion, Guy Abbrassart à la guitare, Daniel Bernier, Steve Wyatt, Dominique Nicodemo auraient co-écrit quelques chansons. Daniel Bernier avait produit l'album.

Trans-X commençait généralement par sortir des singles, puis un album compilait le tout quelques années plus tard. La discographie complète de Trans-X est disponible sur itunes et le groupe à un site pour les intéressés.

Plusieurs des chansons que Pascal Languirand composat de 1981-85 sont parmi les meilleures du style à être sortie du Québec. Languirand est un des rares Québécois de sa génération, à avoir eu un succès international dans le style Électro/Synthpop. La version anglaise de "Vivre sur vidéo" a été très populaire au Étas-Unis et en Europe. La pièce a été repris par plusieurs étiquettes de disques étrangère. À part pour "Men Without Hats" et "The Box", rares sont les groupes Électro d'ici à avoir percé ailleurs qu'en France.

Malheureusement pour nous, Trans-X a très peu chanté en français. La vague Électro est arrivée en même temps que deux autres gros évenements: l'échec référendaire sur l'indépendence du Québec (1980) et la crise économique (1981). La morosité ambiante avaient réussi a effrité l'attachement identitaire. Pendant ces années, beaucoup de musiciens Québécois s'étaient mis à chanter en anglais. Aussi, le succès mondial instantané des frères Doroschuk (Men Without Hats) en avait fait rêver plus d'un.

Trans-X ne fit pas exception. À part pour "Vivre sur vidéo", la seule autre pièce chanté en français fut "Josée". Fait interessant, le texte de "Josée" avait été écrit par Lise Grégoire de Chiffon. Cette pièce parue originalement en anglais sur l'album éponyme de 1983 mais fut ressortie en version française sur le deuxième album cinq en plus tard.

Languirand aurait quitté le groupe en 1985. Donc avant la sortie du deuxième album. Ça expliquerait sûrement le manque de succès "On my own" en 1988 et la fin du groupe à toute fin pratique. Un album sous le nom de Trans-X est sorti en 2003 mais Languirand semble avoir été +ou- impliqué.

Psyquébélique vous offre possiblement les deux meilleures pièces du groupe: Vivre sur vidéo/Digital World. Ce 45t est sorti sur l'étiquette "Illusion" en 1983.

"Vivre sur vidéo" est une pièce interessante à tellement de point de vue. Premièrement, on y retrouve un orgie d'effets sonores de jeux vidéo. Le refrain lui même est un effet sonore de pistolet Laser combiné avec des notes de clavier. Deuxièmement les paroles utilisés sont truffés de références technologique typique de l'Électro. Étrangement, l'intro semble intégrer des sons de "machine à boule" et non de jeux vidéo.

MP3: Télécharger le 45t

Piano / Henri Pierre-Noël 1979

2009-04-22T19:15:00.033-04:00

Voici un disque d'un pianiste Québécois d'origine Haïtienne.

Henri Pierre-Noël aurait cinq disques à son actif mais je n'ai jamais vu autres que les deux premiers ("Piano" et "One More Step") les trois autres sont en CD. Ces deux disques vinyles date l'un de 1979 et l'autre probablement début 80. Le style est un Funk/Disco Latin. C'est assez rare pour ici, mais c'est aussi un peu tard pour faire ce type de musique. Par contre, presques toutes les compositions sont originales et l'exécution est vraiment excellentes.

Comme le titre l'indique, les pièces sont construites autour du piano. Le résultat donne parfois l'impression que le reste des instruments ont été mis de côté. Les autres musiciens, qui ne sont pas identifiés, sont tout de même très bon. On peut entendre: batterie, basse, orgue.

Le Son d'Henri Pierre-Noël, peut faire penser aux albums que Money Mark (clavieriste des Beastie Boys) sortira 15 ans plus tard. La combinaison simultané de piano et clavier est un assez unique.

Son deuxième album (One More Step) est sortit sur l'étiquette "Reveal" et est le plus prisé. Je n'ai jamais compris pourquoi, car "Piano" est au moins aussi bon. Peut-être est-ce l'utilisation de l'anglais pour le titre de l'album et des pièces de "One more Step" qui attire les collectionneurs étranger ? Peut-être aussi est-ce l'utilisation des mots "Funky" ou "Afro" dans les titres ? Peu importe, quiconque écoute attentivement, voit au-delà de cette surface. Les deux s'équivalent.

L'album "Piano" est un pressage privé. Aucune étiquette de disque, clairement auto produit. L'illustration sur la pochette est étrangement similaire à celle de l'album "L'oiseau de feu" de Serge Fontane.

Les meilleurs pièces sont peut-être "Diskette" et "Merci bon dieu". Mais jugez par vous même.

Diskette

MP3: Téléchargez l'album

Psyquébélique au Zoobizarre ce vendredi

2009-04-14T04:35:00.011-04:00

Dans le cadre des vendredis "Freak out total" du Zoobizarre, j'aurai le plaisir de partager la table tournante avec Mingo l'indien ce vendredi 17 avril. Les portes ouvrent à 22h et l'adresse est 6388 St-Hubert (métro Beaubien).

Jacques Alexandre 1972

2009-04-13T15:19:00.046-04:00

Il existe plusieurs Jacques Alexandre listés sur internet mais aucuns sembles correspondre à celui-ci. Son identité reste un mystère.

En écoutant l'album, le premier réflexe est de dire: "c'est un français", à cause de l'accent. Mais Alexandre n'est cité sur aucuns sites en France (ou sur internet en général). À ma connaissance, son seul album, a été enregistré au Québec avec des musiciens Québécois (sur l'étiquette RCA Victor). Par contre la majorité des pièces ont été co-écrites avec un certain "H. Watine" (probablement Hervé Watine...belge ?).

Même sa "pré-carrière" semble avoir été fait au Québec. Deux 45t probablement enregistrés avant son LP sur RCA Victor, sont sur l'étiquette "Astra" Laurentian Music Limited (ce qui sonne assez Québécois).

Notez que sur ce 45t il signe J.R. Alexandre. D'après mes recherches, il serait né en France. Et aurait émigré au Canada au moins le temps d'enregistrer ce disque après... qui sait. Si on se fit au parole de sa chanson "Géraldine" (sortie en 45t seulement), il semble s'adresser à sa fille, et dit: "Tu viendras rejoindre ton papa au Canada". Enfin.

Toujours est-il que l'album de Jacques Alexandre est clairement sous estimé. Il date de 1972 et passe par plusieurs styles: R&B, Pop orchestrée, balade etc

Presque toutes les pièces tirés de cet album sont sortis en 45t (sur RCA Victor), dont au moins un avec pochette.

La pièce "Plus haut", semble avoir été marqueté comme le succès de l'album. Cette compo acoustique est effectivement très bonne. Elle repose essentiellement sur le rythme des clappements de mains, de l'harmonica et des choristes. Le tout donne un son quelque part entre le Gospel et le R&B.

Une autre excellente compo de l'album est "À trop aimer (2ième partie)". Cette pièce est la suite d'une balade du même nom qui la précède sur l'album. Mais cette version instrumentale est plus percussive et est accompagnée d'un choeur. Typique d'une certaine Pop de cette époque.

Étrangement la meilleure compo selon moi ne se retrouve sur aucuns des nombreux 45t. "Ma vénus de Milan" est une compo que je qualifierais de "Pop orchestrée". Guitare Wah wah récurrente, section cuivre à tout casser, basse omniprésent, flûte traversière. Le genre de pièce qui reste en tête après écoute. Incroyable que cet album ne soit toujours pas réédité !

Ma vénus de Milan

MP3: Téléchargez l'album

Je me fou / Nanette Workman 1976

2009-04-02T15:48:00.030-04:00

Pour continuer ma série sur la vague Funk mi-70 au Québec, voici un album que Nanette Workman a fait en 1976. C'était son cinquième en carrière. Le deuxième après son retour d'Europe en 1974 (ou elle fut choriste entre autre pour Les Rolling Stones et Johnny Hallyday).

Comme pour son quatrième et son sixième albums, celui-ci est sur l'étiquette Pacha. Sans necessairement dire que Pacha était LE studio Funk québécois; cette maison de disque semble tout de même avoir été le lieu de quelques enregistrements clés du Funk/Disco au Québec. Pensons notamment à "Le Pouls" 1976, "Zig Zag" 197?, et trois disques de Nanette (Lady Marmalade (1975); Nanette Workman (1976); Nanette Workman (1977)).

Toutes les pièces de ce cinquième album avait été co-écrites soit avec Angelo Finaldi, George Thurston et/ou Yves Martin. Les musiciens ont presque tous eu une carrière solo et endisqués sur les albums des uns et des autres. Ils ont aussi la particularité d'être des musiciens Québécois non "pure-laine" ayant fait carrière au Québec et en français (pour notre plus grand bonheur) ex: Richard Tate, Hovaness Hagopian, Angelo Finaldi, Jim Zeller...

Cet album contient un mélange de balade, de Hard Rock, de disco mais surtout deux pièces Funk (Je me fou, Quelqu'un qui m'excite).

"Quelqu'un qui m'excite" met en vedette l'harmonica de Jim Zeller. Est-ce un Blues Funky ou un Funk avec de l'harmonica ? Le résultat est assez unique en tout cas. En plus le son l'harmonica semble avoir été traité par quelconque filtre donnant une sonorité quasi aquatique (vers la fin de la pièce).

La meilleure compo de l'album est sans contredit "Je me fou". Peut-être la meilleure compo Funk québécoise après "Le doux renard" de Jacques Crevier et son ensemble (B.O. de Après-Ski). Deux guitares wah-wah, un orgie de percussions et une basse qui ponctue le tout.

MP3:
Je me fou
Quelqu'un qui m'excite

Quintonal / JMC 1976

2009-03-23T14:08:00.057-04:00

Très peu d'info officiel existe sur Quintonal. Même l'endos de cette pochette est complètement blanche. Pas de nom de musiciens, pas d'années, de studio d'enregistrements etc. Mais grâce une conversation téléphonique avec Daniel Mercure (clavieriste) et un courriel de Martin Fournier (saxophoniste), j'ai appris que Quintonal auraient été actifs de 1973 à 1976 et était composé essentiellement d'étudiants du Conservatoire de Musique de Montréal.

Le courriel de Martin Fournier nous apprend que le grand Nick Ayoub (leur professeur au Conservatoire) aurait été pour quelque chose dans le formation de Quintonal:

"...Le groupe est né à l'initiative de Nick Ayoub qui avaient réunis Pierre Lafrenaye, Daniel Mercure et moi-même dans un groupe de jazz au Conservatoire de Musique de Montréal...

...À la basse, il y a avait alors Michel Demarchais et à la batterie, Jacques Lavallée... Pierre Pilon et Jean Pellerin les ont remplacés peu après.

...Quintonal était (à la fin) composé de Pierre Lafrenaye (trompette) ; Daniel Mercure (claviers) ; Pierre Pilon (batterie) ; Jean Pellerin (basse); Martin Fournier (saxophone et flûte).

Nous avons fait deux tournées pour les Jeunesses Musicales. L'une dans l'Ouest canadien (une quarantaine de concerts), l'autre au Québec (idem) ; Ça se passait en 1975 et 1976..."

Leur seul enregistrement est celui-ci (un EP en 33t, deux pièces de chaque côté). Pressage privé de +ou- 300 examplaires et vendu dans leur spectacle exclusivement.

Daniel Mercure me disait que les spectacles de Quintonal intégraient une partie pédagogique expliquant "l'histoire du Jazz; de Louis Armstrong à Aujourd'hui" (1975). Le côté A du EP inclu d'ailleurs deux "vieilles" reprises Jazz (That's a Plenty, Boplicity).

Mais les deux compo du groupe du côté B (Antoine, Sept-quatre) sont vraiment les meilleurs.

Antoine est un excellent funk. Batterie, basse, clavier, trompette, saxophone. Aucun temps mort. Écoutez vers 2:15; la trompette émet un drôle de son, presque électronique.

Le style des pièces "Antoine" et "Sept-quatre" est très Jazz fusion, quelque part entre Jérémie de Lee Gagnon (1973) et le dernier album de Nick Ayoub (1977).

MP3: Téléchargez le EP complet

Joie / Roger Simard 1973

2009-03-16T13:57:00.020-04:00

Voici l'album le plus connu de Roger Simard. Enfin, connu si vous vous intéressez au Jazz du Québec au point de le ramasser en vinyle.

Pour ceux qui l'ignore encore, Simard est un batteur ayant oeuvré dans le Jazz. Il est de la même génération que l'autre grand batteur Jazz québécois; Guy Nadon. Les deux sont nés dans les années 30, mais Simard a laissé un peu plus d'enregistrements derrière lui.

Il a accompagné en tournée et en studio plusieurs grands noms du Jazz d'ici (Nick Ayoub, Jerry De Villiers, Willy Girard, Yvan Landry....). Il a été à la tête de plusieurs groupes dont quatre duquels sont sortis un album. Comme tout grand musiciens, il a même atteint le stade "d'arrangeur" à un certain moment donné. Et finalement, Simard a terminé sa carrière comme enseignant dans les années 80 dans la région de Drummondville.

Comme je l'ai mentionné, Simard a fait quatre albums, mais je rajouterais que seulement deux sont Jazz et "sérieux". Les deux autres semblent avoir été des disques de commande.

Commençons par les moins bons. Dans la série "à go-go", Simard à fait: Drum à go-go/ 1966 / RCA Victor. Certes les choix de pièces et l'interprétations sont intéressantes mais disons que ce disque apporte peu à l'histoire de la musique (surtout à l'histoire de la musique québécoise puisqu'il s'agit que de reprises étas-uniennes).

L'autre est le vol.3 de la série thèmes & mélodies / Céleste / 1977. On parle ici de "easy listening" sauce québécoise. Pas totalement désagréable, mais faut être assez ouvert d'esprit (musicalement) pour aimer. Rien qui se mettrait sur une piste de danse donc.

Maintenant passons au choses sérieuses. En 1977 (comme je l'ai mentionné dans un article précédement), il sort "Encore" dans la série Transcription de l'étiquette RCI. Oui, il y a des pièces "easy listening" mais ce sont ses compo. On y retrouve aussi des compo Jazz et une funky (l'excellente "P.S. Spécial").

Mais c'est en 1973 que Roger Simard enregistre un bijoux dans la série Jazz Canadiana. Il y dirige un nonet:

Saxophone, flutes, piccolos: John Christie, Joe Christie, Jean Lebrun
Trompette, flugelhorn: Alan Penfold, Gilles Laflamme
Trombone & trombone basse: Claude Blouin
Guitare: Richard Ring
Basse: Vic Angelillo
Batterie: Roger Simard

Pour lui, l'époque est à l'expérimentation et à la pop. Il essaye de rendre le Jazz accessible pour les plus jeunes dans un mélange de vieux et de neuf. Simard est alors agé de 40ans et est un doyen parmi parmi les jeunes baby boomers. Il avait roulé sa bosse depuis les années 40 et en avait vu d'autre. Il nous en met plein la vue sur ce disque. Dans des structures clairement Jazz, il intègre allègrement guitare fuzz ainsi qu'un style de batterie préfigurant le disco. Un mélange de vieux et de neuf quoi.

Les sept compo, sur ce disque sont des compositeurs/arrangeurs (et musiciens dans certains cas): Jean Lebrun, François Morel, Marc Bélanger, Claude Blouin. Les meilleurs sont celles de Jean Lebrun.

Prenons par exemple la pièce "Joie". C'est le troisième mouvement d'une suite Jazz nommée "Portrait de Louise" (la femme de Lebrun). Batterie, guitare électrique, et grosse section cuivre. La guitare électrique y fait une entrée spectaculaire (vers: 0:10 dans l'extrait), puis le lourd sax prend la relève. Écoutez aussi le bridge de trompette vers 1:44. Il est accompagné de cuica (donnant un son étrangement similaire au cris d'un singe), et d'une batterie soutenue très disco.

L'autre excellente compo de Jean Lebrun sur cet album se nomme "Marni" (son chat). Au niveau percussif, Simard met l'emphase sur la tambourine. La guitare électrique passe de Wah Wah à Fuzz. La flûte et la basse viennent alléger le ton chacun leur tour. Et finalement les cuivres. Ils y sont omniprésent et font le pont entre les solistes. Faut entendre !

MP3:
Joie (extrait)
Marni (extrait)

Psyquébélique "mentionné" dans La Presse

2009-03-16T13:25:00.022-04:00

Dans le cahier Expresso du Journal "La Presse" du dimanche 15 mars 2009, est paru un article de Jean-Christophe Laurence: "I'm a blog you're a blog kiss me !" Monsieur Laurence y parle des blogs musicaux québécois de mes collègues et moi.

Voilà une bonne tape dans le dos. Je vous encourage moi aussi à aller faire un tour sur les sites mentionnés dans l'articles: Patrimoine PQ, Vente de garage, C'était hier, l'ex-exorbité.
Ainsi que ceux-ci: Tête carrée, Misérablement vôtre, Mimi la twisteuse.

Pougalou / Le Pouls 1976

2009-03-05T13:12:00.031-05:00

Le Pouls c'était le surnom de Denis Lepage. Mais il faudrait tout d'abord préciser lequel car ce nom est au Québec ce que John Smith est au Étas-Unis. Juste dans l'industrie musicale il existe au moins trois Denis Lepage: Un chanteur country Québécois, un banjoïste Franco-Ontarien, et l'homme derrière (entre autre chose) l'album "Le Pouls".

Connu par certains comme claviériste. Par d'autre comme compositeur & arrangeur pour divers chanteurs/ses dans les années 70. Par d'autres encore comme celui qui "pondait" des tubes Disco dans les années 80. On peut affirmer que Denis Lepage semble avoir été un homme de studio, rarement frontman, mais facilement capable de s'adapter à l'époque musicale dans laquelle il évoluait. Son premier enregistrement date du début 60 lorsqu'il avait 16ans (le groupe Rock'n Roll "Les Stringers"), et aussi récemment que 1994, il sortait un disque Jazz (Denis Lepage Jazz Quartet). Ces jours-ci, il semblerait que Lepage soit devenu transexuel et "performe" sous le nom de "Nini No Bless". Avec le recul, c'est peut-être ce qui expliquerait l'étrange concept sur la pochette. Je vous encourage à aller voir sa page myspace (merci a Peter Gunn pour l'info).

Il n'y a presque aucun style musical auquel il n'a pas touché.

Denis Lepage était aussi multi-instrumentiste et on a qu'à regarder les crédits du disque "Le Pouls" pour comprendre: voix, flugel horn, trompette, piano électrique, orgue Hammond, clavinette D-6. En fait, on pourrait dire que ce disque est probablement la première tentative de carrière solo. Mais aussi la première collaboration avec sa femme Denyse. Plus tard ils auront beaucoup de succès dans le Disco. Donc "Le Pouls" est une sorte de prélude au duo "Lime" qu'il formeront dans les années 80.

Mais revenons en 1976, nous sommes en pleine vague funk dans la pop Québécoise. Claude Dubois, Boule Noire, Ville Émard Blues Band, Ovila, Richard Tate, Nanette Workman, Luc Cousineau etc.. ont sorti ou sont sur le point de sortir des albums avec plusieurs compositions "Funk". Denis Lepage fait parti de certain de ces enregistrements.

En Janvier/février de cette année-là, il enregistre son album "Le Pouls". Majoritairement instrumental, l'album est un incontournable pour tout collectionneur sérieux de Funk / Jazz. Quatre pièces sont justement funk ou Jazz fusion (les instru "Pougalou", "Hymne au soleil", "Le vieux beboop sale" et "Do it" chanté en anglais par Lepage). Il y a aussi deux autres compo que je qualifierais de Progressive ("Océan cosmique" & "Le soleil, la terre et toutes les autres planètes").

Tous composés par Lepage sauf "Le vieux beboop sale" (du bassiste Robert Alary) et "Le soleil, la terre..." (co-écrite avec le guitariste Robert Goulet). Trois balades ("L'Amour l'Amour", "Baby Baby", "Le bonheur est chez moi") sont co-écrites et chantés par sa femme Denyse (qui est crédité au conga également).

Les compo plus intéressantes, selon moi sont les pièces "Hymne au soleil", "Pougalou", et "Le vieux beebop sale". Les claviers de Lepage sont évidemment le point fort de chaque pièces.

"Le vieux Beboop" sale est composé dans l'esprit des thèmes de série policière de l'époque (Blaxploitation, Jazz fusion). L'intro est spectaculaire. Chaque instruments rentre un après l'autre, et rajoute une couche (clavier, batterie, basse, cuivre).

"Hymne au soleil" est similaire en construction si ce n'est de la flûte traversière qui allège un peu l'atmosphère. Fait à noter, cette pièce figure sur la compil "Les meilleurs groupes de notre époque", sortie en 1976 et regroupant majoritairement des groupes rock et/ou progressif de l'époque.

Pour terminer, "Pougalou". Il s'agit d'un funk pur et dur reposant sur la section cuivre et la guitare Wah Wah.

MP3:

Le vieux Beboop sale
Hymne au soleil
Pougalou

Road Runner / Richard Tate 1974

2009-02-25T18:35:00.041-05:00

Au Québec il n'y a pas eu beaucoup d'exemples de batteurs qui ont décidés de faire carrière solo. En voici un.

Pour continuer cette série sur la vague funky Québécoise mi-70, parlons de Richard Tate. Après avoir été batteur dans des groupes tels que "Les Mersey's", "La Révolution Française" et "Les Sinners", Tate décida de partir solo en 1974. Trois albums portent son nom:

-Tate à tête / Deram / 1974
-Richard Tate / Martin / 1976
-Richard Tate / ABC / 1977 (anglais, reprenant les pièces des deux autres)

Sur Tate à tête, il y joue guitare électrique, acoustique et bien sûr la batterie. Je rajouterais qu'il était très bien accompagné:

Guitare électrique: Walter Rossi, Richard Tate, Michel Pagliaro
Guitare acoustique: Nanette Workman, Angelo Finaldi, Richard Tate
Batterie: Richard Tate
Percussion: Richard Tate, George Thurston
Guitare Basse: Angelo Finaldi
Piano: Nanette Workman
Eminent: Tony Roman
Saxophone ténor, alto, soprano: Liebert
Trompette: Denis Lepage
Vocal: Richard Tate, Nanette Workman, Angelo Finaldi, George Thurston

Fait intéressant à noter; tout comme Tate, la quasi totalité des musiciens sur cet album sont eux mêmes multi-instrumentistes et ont eu une carrière solo. Le résultat est un album de musiciens de studio riche en texture. Il se passe pleins de choses musicalement dans chaque morceau (percussions, guitares, voix, cuivres etc).

Vers la mi-70, tous les musiciens listé ci-dessus, se retrouvait sur les albums respectifs des uns et des autres. En effet, ont parle ici d'une "clique" bien précise de musiciens Montréalais: Nanette, Angie, Tate, Pag, Thurston (Boule Noire), Tony Roman. Sont tous des musiciens ayant roulés leur bosse dans les années 60 mais éclosent dans les années 70 (à part peut-être pour Tony Roman). Ils sont aussi tous des Québécois ayant des noms de famille "étranger" mais faisant carrière au Québec et en français. Tout de même bizarre qu'on les retrouvaient si souvent ensemble.

Mais revenons à "Tate à tête". Certaines pièces sont du type Rock "classique" (Ce n'est jamais mon tour, Bien dans ma peau). Le genre de pièces qu'on entendraient à la station de radio CHOM si elle était plus ouverte à la musique Montréalaise.

Au moins deux compo sont Funk (Road Runner, J'viens de m'réveiller), mais les deux sont très différente dans le genre. J'viens de m'réveiller, est un funk rapide et très 60's / James Brown. Tout est dans la guitare wah wah et les cuivres. La pièce est moins de 2 minutes et n'est même pas listé sur la pochette (que sur l'étiquette du disque). S'agit'il d'un ajout de dernière minute ?

Road Runner, est un funk très lent et sensuelle. Une adaptation méconnaisable d'une pièce de Jr Walker portant le même nom. L'intro est particulièrement spectaculère au niveau rythmique. Une énergie érotique se dégage de cette pièce et je n'arrive pas totalement à comprendre pourquoi. Peut-être est dû au jeu des deux guitares ?

Même la balade "J'ai compris" à un petit air funky. Généralement pour une balade, on y va molo sur les percussions. Pas Tate. "J'ai compris" est possibelement la balade ayant la section percussive la plus complexe que j'ai entendu.

MP3:
Road Runner
J'viens de m'réveiller
J'ai compris

Passe moé un Québec / Ovila 1976

2009-02-19T11:17:00.056-05:00

Ovila Blais est un de ces rares musiciens blancs Québécois à avoir un sens du rythme "noir".

Le funk et le soul ont eux de la misère à s'implanter au Québec. Il n'y a pas de racines très profondes remontant à la fin des années 60 comme au Étas-Unis. Il y a eu des cas isolés: Pierre Perpall, Claude Dubois, la B.O. d'Après Ski... Mais ce n'est pas avant 1974-76 qu'on va voir apparaître au Québec des albums avec plusieurs compositions Funk. Je parle ici des albums de Boule Noire, Nanette Workman, Luc Cousineau, Richard Tate.

Ovila Blais fait parti de cette vague Funky qui rentre en force mi-70. Il avait déjà sorti un 45t quand "Pass'moé un Québec" est paru en 1976 (le très rock: "Carré St-Louis Inn" / Canusa 1971). En fait, deux 45t si on compte celui paru sous le nom de "Hum" (Suis-moi/ Attends DSP 1972) dont mon collègue de Patrimoine PQ à fait la critique.

Comme sur Hum, Denis Lepage aide Blais aux arrangements. Par contre, pour "Pass'moé un Québec", se rajoute à eux Hovaness Hagopian. Avec le recul on pourrait dire que Hum était un avant goût de l'album à paraître quatre ans plus tard.

Le titre "Pass'moé un Québec" est un drôle de jeu de mot (notez que le titre de l'album et de la chanson diffère légèrement). Il s'agit d'une variation sur l'expression se faire "passer un sapin" (se faire avoir). Une situation malheureusement trop familière pour les francophones de l'Amérique du nord.

La quasi totalité des morceaux de cet album sont excellents. Clavinette, cuivre, guitare wah wah, conga, batterie syncopée. Tout les ingrédients sont réunient. Des pièces Funky "Passe moé un Québec", "Duo réflexions", "Idées pensées", aux rock "Saprement hâte", "Le p'tit rock" ou les balades "Mon bébé, mon amie", "Grand ménage sur Christophe-Colomb".

En plus d'être un multi-instrumentiste extraordinaire, Ovila Blais s'était entouré de tout une équipe pour cet album. La liste est impressionante:

Contrebasse électrique: Claude Arsenault, Robert Alary Parenteau
Guitare: Ovila, Robert Goulet, Hovaness Hagopian, André Angélini, Germain Gauthier
Batterie: André Leclerc, Richard Patry, Andy Shorter, Pierre Ringuette
Conga: Tony
Piano: Ovila, Denis lepage, Yvan Brault
Piano électrique: Ovila, Denis Lepage
Cavinette, Synthétiseur, trompette: Denis Lepage
String man: Ovila
Saxophone: Richard Beaudet
Voix: Ovila, Denis & Denise Lepage
Choriste: Geraldine Hunt, Christiane Robichaud

Enregistré dans trois studios différents (Denis Pantis, RCA et Québec son) en 1975-76, "Pass'moé un Québec" est selon moi un classique indémodable. C'est l'album que j'emmènerais sur une île déserte. J'ignore pourquoi Ovila Blais s'est arrêté après. Son style DEVRAIT inspirer les musiciens d'aujourd'hui, mais pour cela il faudrait qu'il soit réédité en DC.

MP3:
Duo réflexion / Ovila
Passe moé un Québec / Ovila

Psyquébélique "mentionné" à Radio-Canada

2009-02-18T13:00:00.027-05:00

Mardi dernier (17 février 11h) à la première chaîne de Radio-Canada, l'émission de Christiane Charette faisait un topo nommé "Les trésors perdus de la pop québécoise". L'historien Robert Thérien (Dictionnaire de la musique populaire au Québec 1955-92) et le journaliste Jean-Christophe Laurence (La Presse / cahier actuel) étaient les invités. La discussion tournait autour de l'indisponibilité en format DC de très gros nom de la chanson d'ici. Claude Léveillée, Ginette Reno, Vos Voisins, Aut'chose...

Les invités conclure que cette injustice était dû au fait que la majorité des enregistrements de ces artistes étaient entre les mains de maisons disques étrangères. Même si ces "majors" de l'industrie musicale possèdent les "trésors de la pop québécoise", le marché Québécois est trop insignifiant (selon eux) et ne vaut pas l'argent qu'une réédition DC coûterait (privant ainsi le peuple de sa culture). Et ce même s'il s'agit de géant comme Claude Léveillée ou Ginette Reno. Aucune conscience sociale, "strictly business".

À la toute fin de l'entrevue les auditeurs était invités à poursuivre la réflexion en visitant ce qu'on pourrait appeler "le cercle des bloggueurs de raretés musicales québécoises"; c'est-à-dire: Psyquébélique, Patrimoine PQ, Tête Carré, Vente de Garage et Mimi la twisteuse. Tant qu'à moi, Misérablement vôtre aurait dû faire parti de la liste.

Cette journée-là il y a eu beaucoup de visite sur Psyquébélique, au point de causer des problèmes affichage de contenu. Je m'en excuse mais c'était hors de mon contrôle. Bienvenue à tout les nouveaux lecteurs !

Écoutez le topo "Les trésors perdus de la pop québécoise"

Le bonheur n'est-il pas fait pour moi ? / Georges Tremblay 1965

2009-02-10T13:57:00.025-05:00

Voici un disque un peu moins connu de Georges Tremblay.

Petit rappel pour ceux qui l'ignore; Georges Tremblay est un de nos grands compositeurs/arrangeurs Québécois. Frère de Rod Tremblay, comme lui, il a été chef d'orchestre pour de nombreuses émissions de télé. Tout au long de sa carrière, il a surtout composé/arrangé pour d'autres artistes. Mais je connais au moins quatre albums portant son nom: "My fair Lady Discotheque", "Danse Gogo", "Cuivres & épices" et "Le neuvième silence".

Surtout présent dans les années 60-70, on l'a moins aperçu depuis 80, mais il a été non moins actif. Je vous encourage d'ailleur à aller visiter son site où vous trouverez plusieurs de ses albums en DC.

Il n'y a pas d'année d'inscrite sur cet album-ci mais selon mon estimé, il daterait de quelques part entre 1964-66. La totalité des pièces sont des reprises instrumentales. Ma préféré est: Le bonheur n'est-il pas fait pour moi ? Il s'agit d'une reprise méconnaissable d'une pièce de Trini Lopez de 1964 "What Have I got on my own". Les cuivres y sont prédominants, mais on y retrouve également guitare, batterie et orgue (d'où l'utilisation du mot Go-Go dans le titre de l'album probablement).

Je décrirais les arrangements comme un mélange de Jazz libidineux et de B.O. de film d'agent secret. Écoutez la trompette avec sourdine et vous comprendrez.

***Du nouveau***
Un lecteur m'informe que Joël Denis (et Hugues Aufray en France) en aurait fait une version.

MP3: Le bonheur n'est-il pas fait pour moi ? / Georges Tremblay

Psyquébélique diffusé à New York # 2

2009-02-04T14:00:00.022-05:00

Voici une deuxième émission radio enregistrée avec mon cher ami Peter Gunn. Peter est webmestre de Tête Carrée mais aussi co-animateur de l'émission radio "Clean & Humble" diffusée les lundi soir de 20h-21h sur les ondes de Viva-Radio (Brooklyn/New York).

L'émission fut enregistrée à Montréal lors de l'action de grâce américaine (c'est-à-dire le 4ième jeudi de Novembre 2008). Le contenu musical est Québécois et est plus ou moins divisé en quatre bloc: Électro, Jazz, Funk et Rock (Playlist disponible dans la section commentaires). Pour ce qui est du contenu verbal, Peter et moi y présentions Montréal au Américain.

MP3: Téléchargez l'émission
Consultez les archives de "Clean & Humble"

Autopsychanalyse / Marc Drouin et les échalotes 1986

2009-01-29T09:49:00.031-05:00

Marc Drouin a marqué les années 80 au Québec. Par l'originalité de ses textes, par la qualité des gens qui l'entouraient, et par son choix de faire des "comédies musicales" (et non des "spectacles"); il a réussit à attirer l'attention du public.

Ses trois albums de cette décénnie (Pied de Poule 1982, Marc Drouin et les échalotes 1986, Vis ta vinaigrette 1987) sont des incontournables pour quiconque s'intéresse à la musique de cette époque. Ils lui ont mérité un succès d'estime.

Ce deuxième disque : "Marc Drouin et les échalotes" est probablement le meilleur des trois, mais reste assez méconnu. À part peut-être pour la pièce "Après l'école", qui se souvient/connait vraiment le contenu de "Marc Drouin et les échalotes" ?

Je dis "électro" pour être inclusif, mais certaines pièces sont plutôt électro-funk, d'autres sont électro-New Wave.

Avec Kaméléon, Soupir, Top Sonart et Demars; Marc Drouin fait partit du club sélect d'artistes Électro/New Wave Québécois ayant sorti un album complet (la majorité des groupes du genre ne sortait qu'un 45t ou deux). Je dirais même qu'il a été le plus prolifique d'entre tous, puisqu'il en a sortit trois. Par contre ses deux derniers sont arrivés à la fin de la vague.

Pour "Pied de poule" Drouin avait demandé les services du compositeur Robert Léger (Beau Dommage) et de nombreux chanteurs/ses. Pour son deuxième albums (mais dans les faits son premier "vrai" solo), Drouin pris plus de place au niveau du chant et demande à Germain Gauthier d'en faire la musique. Le résultat est étonnant. Plus de la moitié sont vraiment bonnes. Notons: Après l'école, Case 48, Marquée par la vie, et Autopsychanalyse. Ma préférée est cette dernière.

Fait à noter, le titre (Autopsychanalyse) est drôlement similaire au titre d'un album de Plume Latraverse sortit 3 ans plus tôt: "Autopsie canalisée" 1983.

MP3: Autopsychanalyse / Marc Drouin et les échalotes

Tu peux / Michel Brouillette 1960

2009-01-21T11:52:00.021-05:00

Pour la plupart des gens le nom de Michel Brouillette n'évoque absolument rien. Pour quelques mélomanes, il évoque son avant dernier album Jazz/Fusion ("Pointe aux anglais" 1979).

Très peu de gens savent que Michel Brouillette a déjà été une figure musicale importante du monde de la télé Québécoise. Il a été chef d'orchestre, pianiste, compositeur et arrangeur pendant plus de 20 ans à la télé de Radio-Canada. Il a composé les indicatifs musicaux de plusieurs émissions: Monsieur B, Boubou, Tempo et Zoom. J'ai déjà écris sur son apport à la série "Musique du Québec" en six volumes. Les pièces arrangées par Brouillette sont clairement les meilleures (et les plus funky).

Il a fait quatre albums en tout et "Le club des autographes No.2" est son deuxième. Le titre vient du nom d'une émission musicale à Radio-Canada (1957-62) dont il était le chef d'orchestre.

La pièce "Tu peux" est peut-être la meilleure. Typique du Jazz de cette époque, elle est dans le style "big band" mais accompagnée d'un ensemble vocal.

Michel Brouillette est décédé en 2005. Il est un des grands noms du Jazz Québécois, mais comme bien d'autre, n'a toujours pas été réédité en DC à ce jour. Trois générations de musiciens Jazz ont été privé de son influence.

MP3: Tu peux / Michel Brouillette

Discoville / Zig Zag 197?

2009-01-13T07:55:00.018-05:00

Zig Zag est un des rares groupes Disco Québécois à avoir composé des pièces que certains qualifieraient de "Space Disco" (Disco spatiale, Disco cosmique).

Par "spatiale" on réfère à l'utilisation dans les textes et/ou effets sonores surtout entendu dans un contexte de Science-Fiction. Je ne parle pas ici du New Wave/ Électro / Synth Pop des années 80 (qui était aussi très futuriste). Non avant ça. Précuseur à tout ça, il y a eu une sous catégorie de Disco au sonorité "science-fictive". Rappelons-nous que le Disco a fait surface à une époque (fin 1970) ou la science-fiction sortait de la marge et atteignait une popularité de masse (entre autre avec la trilogie de "La guerre des étoiles" mais aussi avec des émissions tel que "Buck Rogers", "Space 1999", "Battlestar Galactica").

Il existe plusieurs exemples montrant que ces deux courants se sont influencés. Autant on a vu des émissions/films de SF aux trames sonores Disco; autant certaines compositions disco intégraient des effets sonores utilisés dans certaines de ces émissions. Il y a eu plusieurs sorte de Disco et le "Disco spatiale" est une sous catégorie très intéressante, mais très peu pratiqué au Québec. Mentionnons tout de même Pierre Perpall (qui à fait 1-2 compo), et aussi le duo Michel Daigle/ Jacques Laflèche avec leur célèbre "Space Projet".

Toujours est-il que Zig Zag maitrisait ce style de façon surprenante, et ont composé ce qui est peut-être la meilleure pièce de Disco spatiale: "Discoville". Toutes les compo de leur seul album sont crédité à deux musiciens qui me sont inconnu:"Taj" Bolduc, "Dick" Torros (possiblement Réjean Bolduc et Jean Torros collaborateur de l'album Disco Zabé). L'album est paru sur l'étiquette Pacha mais aucune date n'y figure malheureuse. Psyquébélique vous offre la pièce Discoville.

MP3: Discoville / Zig Zag

Je cherche un monde / Couturier 1978

2009-01-06T11:36:00.022-05:00

À ma connaissance, Gaston Couturier n'a fait qu'un album. Mais quel album !

La quantité de musiciens est impressionnante, on frolle le 30. Les arrangements ne sont pas crédités mais semble être de Roger Magnan, Donald Habib, et Couturier lui-même (si on en juge par le credit à la réalisation à l'endos de la pochette).

Les pièces "Amigo" et "Je cherche un monde" sont d'excellents exemples du degré de sophistication musical. Cuivres, cordes, claviers et percussions donne un mélange de disco, bossa et Pop orchestrée.

J'ignore pourquoi Gaston Couturier n'a pas fait d'autres albums, peut-être que (comme a dit Philip K. Dick) "la lumière qui brille deux fois plus fort, brûle à moitié moins longtemps". Écoutez la pièce titre de l'album et vous comprendrez.

MP3: Je cherche un monde / Couturier

Nôwell / Les Cyniques 1968

2008-12-22T07:11:00.011-05:00

Voici une des rares chansons de noël que je trouve écoutable. Elle est des Cyniques et les arrangement de François Cousineau. Elle ne figure malheureusement sur aucun de leurs albums, seulement sur ce 45t. Elle avait été composé en 1968 dans le style Yéyé/Garage.

Nôwell est entrecoupé de dialogues, qui eux sont accompagnés à la batterie. Le résultat est très respectable pour une compo se voulant humoristique à la base.

Écoutez l'intro, c'est exactement la même que sur London Calling / The Clash 1979. Pur hasard ou plagiat de la part des Clash ?

MP3: Nôwell / Les Cyniques

Montréal Scene / Nick Ayoub Quintet 1964

2008-12-14T15:43:00.055-05:00

Voici un album incontournable pour tout collectionneur de Jazz Québécois.

On pourrait presque dire que "The Montreal Scene" est un mythe fondateur et que 1964 est l'an zéro du Jazz Québecois.

Saxophoniste (tout comme Lee Gagnon), Nicholas Ayoub était un des géants du Jazz Montréalais des années 60-70 (avant de se consacrer à l'enseignement de la musique). Dès les années 50, il était l'un des principaux musiciens de studio en ville. Il accompagna plusieurs artistes sur divers enregistrement Jazz ou autre (ex: Claude Léveillée, Paul De Margerie, Maynard Fergusson).

"The Montreal Scene" est son premier album et est sur l'étiquette RCA/Victor. Ayoub y dirige un quintette, tout comme sur son dernier album ("Musique de Nick Ayoub" paru en 1977 sur l'étiquette Radio-Canada International). Les Musiciens sont: Saxophone/Nicholas "nick" Ayoub, Batterie/Émile "cisco" Normand, Contrebasse/Michel Donato, Piano/Art Roberts, Trompette/Al Penfold.

On y retrouve plusieurs excellentes compo originales. En fait l'album au complet est excellent et s'écoute de A à Z. Prenez la pièce "Pillsville", c'est un excellent beboop très rapide. Autre exemple, "Bib and I" (composé avec l'ancien contrebassiste Donald Habib) et aussi "Montréal ouest" qui sont deux excellentes pièces dans le style "cool Jazz".

En guise d'avant goût, écoutez Montréal ouest. La pièce commence avec un échange entre le sax et trompette. Puis l'introduction du piano (vers 00:35) suivi de la contrebasse. Du bonbon pour les oreilles. Ma copie est en stéréo (et non la mythique version mono). Elle est malheureusement aussi un peu abimé. Donc je vous pris d'être indulgent.

***DU NOUVEAU***
À l'automne 2009, une nouvelle étiquette de disque Montréalaise vient de rééditer en DC "Montreal Scene". Ear This Records détient maintenant les droits de diffusions de l'album, on me demande de retirer ma copie de Psyquébélique. Vous pouvez écoutez quelques pièces ici.

Un label japonais (Vox) a aussi réédité en vinyle Montreal Scene en 2010.
***DU NOUVEAU***

Montréal ouest

Les âmes seules / Marc Huard 1975

2008-12-08T09:14:00.017-05:00

Pour conclure avec ma série d'article sur la musique de type "library", je me dois de faire un article sur les compilations "Thèmes & Mélodies" paru sur l'étiquette Céleste.

Quatres volumes en tout de 1974 à 1978. La quasi totalité des compositions sont de Marc Huard (debout à gauche sur la photo) ou d'Angèle Renaud et arrangés par Roger Simard ou Neil Chotem (debout à droite sur la photo). On parle bien sûr de "easy listening"; bien éxécuté mais rien de flamboyant.

Ma pièce préférée se trouve sur le vol.2 et se nomme "Les âmes seules". Composée par Marc Huard et arrangée par Neil Chotem. Elle met en vedette une harmonica, une voix et un basse électrique.

MP3: Les âmes seules / Marc Huard

Les Satellipopettes = MESSAGE SUBLIMINAL

2008-11-30T17:31:00.037-05:00

Des quatres albums des Satellipopettes, en voici un que Psyquébélique vous recommande.

Les Satellipopettes (1975-85) était bien sûr ce jeu questionnaire pour enfant ayant pour toile de fond la science fiction. Le but était pour chaques équipes de répondre au plus grand nombre de questions et ce faisant, construire un robot à coup de blocs gagnés pour chaques bonnes réponses. L'émission a donné naissance à l'expression populaire: "Bravo, deux morceaux de robot"

L'album "Le drapeau du bonheur" est sortit +ou- 1983. Composé par Roxanne Turcotte (du groupe Kaméléon) et arrangé par Roger Pilon, il contient 4-5 pièces Électro presque écoutables.

Les disques pour enfant avec des compo vaguement bonnes, ne sont rien de nouveaux. J'en ai parlé avec le 45t de Goldorak de Pierre F. Brault & Michel Robidoux. Mimi la twisteuse a récemment parlé sur son site d'un très bon disque espagnol. Sans oublier S.ébastien de Patrimoine PQ.

Là où celui-ci se démarque du lot je crois, c'est qu'il contient une pièce ayant un "message subliminal" (caché). Ce qui étonnent aussi (comme le faisait remarquer Frédérick), c'est qu'à cette même époque au Québec le père Jean-Paul Régimbald était en pleine croisade paranoïaque contre les messages subliminaux dans la musique Rock (surtout étrangère). Imaginez vous s'il avait su qu'un disque pour enfant en contenait un... ici même au Québec!

Faut dire que ce message est bien inoffensif par contre. La pièce en question se nomme "Bouboulougou". En gros la chanson parle d'une rencontre que le capitaine Cosmos et son équipage font dans l'espace avec cette créature nommée Bouboulougou. Vers 3:10 on entend la créature "parler" dans un drôle de language (on croit entendre Chewbacca dans la guerre des étoiles). Après avoir inversé ET accéléré le clip. Voici ce que l'on peut comprendre de ce que la créature dit:

N'ayez pas peur de moi, je suis très très gentil
J'ai 3632 années lumières
Je connais très bien Cosmos
Je vous souhaite bon séjour dans l'espace

Un peu décevant. Finalement pourquoi se donner autant de mal pour "rassurer" les enfants. Je suis sûr que ce message est tombé totalement dans le vide à l'époque. Qui aurait pu repérer ce message sur un disque des Satellipopettes il y a 25 ans ? Et pire, qui ce serait donné la peine d'essayer de le décrypter ? Avec un ordinateur aujourd'hui c'est relativement facile, mais avec l'équipement analogue en 1983...

MP3: Bouboulougou / Les Satellipopettes
MP3: Message décrypté

La couleur du temps / Georges Tremblay 1976

2008-11-20T12:02:00.017-05:00

Voici un autre exemple de disque de "library" québécois. La majorité des pièces sont de Georges Tremblay, Jacques Laflèche ou Claude Denjean. Comme le titre le dit, il s'agit d'une compilation des divers thèmes d'émissions de Télé-Métropole (ancêtre de TVA) de cette époque.

Plusieurs excellentes compo allant du Bizzaro (Bienvenue à Patofville) au Easy Listening (À votre service). La meilleure pièce est selon moi (et Michel du site Misérablement vôtre) le thème de "la couleur du temps" (aussi nommé Oh Nancy).

Ce qui rend cette pièce intéressantes, sont les arrangements de Georges Tremblay. Les cuivres très solennels, l'utilisation de clavier, guitare Wah Wah, congas, flûte traversière et une l'harmonica. On dirait une sorte d'hybride entre le disco et le funk (clavier, congas, guitare wah wah); mais avec une petite touche mélancolique (harmonica). La structure en fait presque une pièce "progressive".

Finalement ces arrangements me font penser à ceux de François Dompierre, c'est à dire une compo très rythmée mais avec trop de passage lent pour pouvoir être utilisé sur une piste de danse.

MP3: La couleur du temps / Georges Tremblay

Angela / Michel Brouillette 1979

2008-11-12T06:52:00.041-05:00

Certains disent qu'au Québec il n'y a jamais eu de "Library music" (communément appelé "musique en canne" et utilisé comme thème ou musique de fond en radio/télé). C'est faux. Il n'y en a pas eu beaucoup certe (pas d'industrie), mais il y a tout de même eu quelques exemples digne de mention.

Tout d'abord pensons à la série "Thèmes & Mélodies" de l'étiquette Céleste 1975-1979 (arrangements Neil Chotem, Roger Simard). Puis l'étiquette Airedale de Luc Cousineau qui se voulait à la base une étiquette de musique instrumentale, de thème de radio/télé. Bien sûr l'objectif a changé en cours de route, mais il y a bien eu "l'album brun" de Cousineau 1976 dont "La valse de la Baie James" à été amplement utilisé dans les médias à l'époque. Sans compter les deux albums de Roger Gravel sur cet même étiquette 1976-77.

J'irais jusqu'à inclure dans "Library" le disque "Evidence of Yves" 1974 sur l'étiquette Célébration (une série de réarrangements des compositons d'Yves Lapierre), le disque de Lee Gagnon "Vive la canadienne" 1976 sur RCI ainsi que l'album "Stéphane Venne en 10 chansons (orchestral)" 1973 sur Barclay.

Sinon un incontournable du "Library" est la série "Musique du Québec" de l'étiquette Kébec-Disc en 1979. Il s'agit d'une série de 6 disques de reprises de 108 succès Québécois en versions instrumentales. Trois arrangeurs (Marc Bélanger, Gaston Rochon et Michel Brouillette sous la réalisation de Stéphane Venne), on exécutés cette tâche gigantestesque.

Le tout venait dans un coffret carton et les pochettes de chaques disques étaient illustrées de superbes reproductions de toiles du grand Marc-Aurèle Fortin.

"Musique du Québec" ressemble (point de vue look) à la série "Musique et musiciens du Canada, édition du centenaire (1967)" Célébrant les 100 ans de la confédération canadienne. Pour ce qui est du contenu par contre, les deux séries sont à des années lumières. La série canadienne incluait exclusivement de la musique classique. La série Québécoise se voulait plus grand publique (avec ses succès pop réarrangés). Le genre de compil de musique d'ambiance (à saveur local) qu'on aurait pu entendre dans une station de ski, un centre d'achat ou lorsqu'on est mis en attente au téléphone.

Cette série est riche en pépites musicales. Psyquébélique vous encourage à la re/découvrir.

Les arrangements de Michel Brouillette sont les plus funky de tous. Plusieurs de ses pièces sont méconnaissables. Écoutez par exemple sa version de "Angela" des Alexandrins sur le volume 1.

MP3: Angela / Michel Brouillette

Montréal la nuit / Roger Gravel 1965

2008-11-10T09:14:00.014-05:00

****Cet article concerne le compositeur/arrangeur Roger Gravel et non le chanteur country du même nom****

Roger Gravel est surtout connu comme un compositeur/arrangeur des années 70. Il était un des premiers artistes à signer sur l'étiquette Airedale de Luc Cousineau en 1976. Il sortit 4 albums en tout, "Piano Bar", "Roger Gravel", "Flashback" et "Un habit en Si bémol". Ces deux derniers disques sont souvent catégorisés comme étant du "Italo-Disco" (une branche du Disco considèré par certain comme kitsch).

Les premiers enregistrements de Roger Gravel furent assez discrets mais non moins intéressants. Dans les années 50-60, Il avait d'abord composé quelques thèmes d'émissions télé, et fait des arrangements pour quelques artistes (Michel Louvain entre autre). Mais sinon était resté dans l'ombre.

Vers 1965 il endisqua une série de 45t dont celui photographié ci-dessus qui est un 45t Jazz. Les arrangements des cuivres y sont vraiment excellent.

La pièce "Montréal la nuit" est presque un "standard" dans le Jazz Québécois. Elle aurait d'abord été endisquée sur le premier album de Jacques Michel "Grand prix du Festival du disque" en 1965 (merci à Stéphane pour l'info). Puis chanté par Bob Robie (Robert Robitaille) en 1966. Michel Como en a aussi enregistré une version chanté en 1967. La version que voici est celle de Gravel et est selon moi la meilleure.

MP3: Montréal la nuit / Roger Gravel

Psyquébélique diffusé à New York # 1

2008-10-28T08:41:00.032-04:00

Pour ceux qui l'ignore, mon cher ami Étas-unien Peter Gunn (alias Tête carrée / Blog), a une émission de radio nommée "Clean and Humble". L'émission est diffusé de New York sur les ondes de Vivaradio les lundi soir de 20h à 21h.

J'ai eu le privilège d'en être l'invité samedi le 18 oct. 2008 lorsque Peter a fait un arrêt à Montréal pour la convention de disques et pour enregistrer une émission spéciale sur la musique Québécoise. La playlist est disponible dans la section commentaire.

Voici ce que ça a donné:

MP3: Téléchargez l'émission
Consultez les archives de Clean and Humble

Juste assez / Bill 1982

2008-10-23T12:18:00.012-04:00

Bill est surtout connu comme étant le groupe qui a composé la première chanson rap au Québec: As-tu du feu ? / 1981. Ce premier disque était pas mal, mais ont retrouve peut-être un peu trop de styles musicaux simultanément (rap, électro, rock, reggae).

Le tube "As-tu du feu ?" se voulait un rap à l'époque, mais ormis les vocaux "parlés" (typique du rap), et avec le recul, je serais tenté d'appeller ce type de musique de l'électro-funk.

Sur leur deuxième album "Alimentaire" 1982, le duo J.F. William & Serge Laporte semble avoir poursuivit dans la veine qui à fait leur succès du premier album... ou du moins dans la veine de "As-tu du feu ?"

Plusieurs pièces mettent l'emphase sur les sonorités électro des claviers d'Estelle Éthier et la combinaison funky Guitare/batterie de Serge Laporte et Pierre Hebert. Les meilleurs pièce sont selon moi: "Juste assez", "LMSA" et "Ma robot".

Ce qui a moins bien vieillit par contre, est l'utilisation du saxophone dans certaines de ces mêmes compo. Cet instrument à été surutilisé dans les années 80 et en subit aujourd'hui les conséquences. Dès les premières notes, on ressent un préjugé défavorable peu importe la qualité des arrangements.

Il existe un troisième album de Bill, mais les deux premiers sont vraiment les meilleurs. La pièce "Juste assez" est un bonne exemple du Son "électro-funk" de Bill.

MP3: Juste assez / Bill

Le conseil des sages

2008-10-18T15:55:00.005-04:00

Le conseil des sages s'est réunit à la Taverne "Chez Normand" après la convention de disques du 18 Oct. 2008.

Para-New-York (inst)/ Dolbie Stéréo 1986

2008-10-15T13:38:00.015-04:00

Voici une des dernières "bonnes" pièces New Wave au Québec.

Fait à la fin de la "vague" New Wave (1986), la pièce "Para-New-York" se retrouve sur le deuxième album de "Marc Drouin et les échalottes". Mais petite curiosité, cette pièce est crédité au groupe "Dolbie Stéréo".

Dolbie Stéréo, à la base, était le nom d'un personnage (joué par Geneviève Lapointe) dans la comédie "Pied de poule" (écrite par Marc Drouin & composé par Robert Léger). Quelques single crédité à Dolbie Stéréo sont sortis de 1982-86. D'une pièce à l'autre, les compositeurs de Dolbie Stéréo changent (Robert Léger, Germain Gauthier...). La seule constance que je vois est que les textes étaient toujours écris par Marc Drouin et chanté par Geneviève Lapointe.

Une de mes pièces préférés de Dolbie Stéréo est la version instrumentale de la pièce "Para-New-York" (composée par Germain Gauthier). Comme je l'ai expliqué plus haut, même si la pièce "Para-New-York", se retrouve sur l'album de "Marc Drouin et les échalottes"; qu'elle est écrite par Drouin, qu'elles est composé/joué par les mêmes musiciens que le reste des chansons... elle est crédité à "Dolbie Stéréo" (Geneviève Lapointe). Faut croire que Geneviève Lapointe ne voulait vraiment pas être considèré comme une des échalottes de Marc Drouin.

Pour ce qui est du compositeur Germain Gauthier (surnommé Monsieur Hit dans les années 80), comme je l'avais écris récemment, il était derrière 2 des compositions du micro groupe Chiffon.

Il avait composé tout le premier album de "Marc Drouin et les échalottes" en 1984 et quelques pièces sur le deuxième. En plus de "Para-New-York", on lui doit la célèbre pièce "Trop d'beaux gars" sur ce même album.

MP3: Para-New-York / Dolbie Stéréo

Les cosmétiques cosmiques / Demars 1981

2008-09-30T08:51:00.021-04:00

Voici un des tout premiers groupes New Wave Québécois.

Comme pas mal de très bon groupe, Demars ne s'est pas retrouvé sur la compil "Québectronique 80". À ma connaissance, cette compil est la seule réédition DC de New Wave fait au Québec. Saluons ce premier pas, mais espérons qu'ils y en aura d'autres... parce qu'il manque pas mal de monde. Et plusieurs artistes qui y figure ne sont même pas "vaguement" New Wave.

Avec un titre comme "Québectronique 80" on serait en droit de s'attendre à un Son électro. Il y en a bien quelques pièces qui le sont (les clichés comme Larmes de Métal/ Soupir, Pied de poule/ Dolbie Stéréo)... mais que viens faire "le RAP à Billy" de Lucien Francoeur, "Recherché" de Jano Bergeron, "Call Girl" de Nanette Workman et j'en passe ???

Enfin bref... Panne d'inspiration ou ils n'ont pas fait leur devoir. Espèrons qu'ils corrigeront le tir sur un vol.2, ou qu'une compil plus inclusive de l'underground sortira.

Revenons à Demars. Le groupe était formé de Michel Demars (clavier, voix), Guy Séguin (basse, clavier), les frères Luc & Michel Lanthier (guitare & batterie). Deux albums:

-Les télé-têtes (1981)
-Stories From Between the Walls (1983) un Maxi en anglais seulement

Le premier est de loin le meilleur des deux. Fait cocasse sur l'album "Les Télé-têtes" justement, au lieu de "côté A" & "côté B" (sur l'étiquette) on peut lire UHF & VHF (référence à la télé hertzienne de l'époque).

Ma pièce préféré est sur le côté VHF: "Les cosmétiques cosmiques". Une bonne basse, des filtres vocaux, claviers bien présent, texte inspiré de la science-fiction.

***DU NOUVEAU*** Michel Demars a une page myspace: http://www.myspace.com/demarsmusique

MP3: Les cosmétiques cosmiques / Demars

Accélérateur / Belgazou 1984

2008-09-24T12:12:00.029-04:00

Qui à déjà écouté un album complet de Belgazou ? Peu de gens.

Malgré tout, encore aujourd'hui, il semble règner un unanimisme sur la médiocrité musicale de cet artiste. J'imagine que les parodies de R.B.O. à l'époque seront pour toujours tatouées dans la tête des gens. Pourtant Belgazou a sortit deux albums New Wave (1981 & 84) et le New Wave était LE style musical du "progrès" de 1979-85.

Peu de groupes d'ici en faisait mais tout les jeunes branchés en écoutaient. Ailleurs dans le monde on aurait applaudit les tentatives locales. Ici non.

Si tout ceux qui ont essayé d'innover musicalement à cette époque se sont fait traiter comme Belgazou, pas étonnant qu'il y en ait eu si peu de New Wave. Ça donne honte d'être Québécois.

Mais depuis quelques années, l'électro/New Wave est redevenu la norme musicale. Le degré d'ignorance des auditeurs (ET des musiciens) faces à leur tradition musicale électronique m'horripile. J'espère que cette amnésie collective n'est pas une conséquence de l'attitude rétrograde de certain média de l'époque. Faut dire qu'il n'y a pas non plus eu de réédition DC (ou presque) des artistes New Wave Québécois. Mais Psyquébélique est là pour palier à ce manque ! Du moins en partie...

Le deuxième album de Belgazou (Fly) est sûrement son meilleur. On y retrouve plusieurs bonnes pistes: "Je suis d'ailleurs", "Can't Imagine", "Acélérateur". Comme je mentionnais plus haut, Belgazou (ou plutôt Daniel DeShaime son compositeur) est un des rares musicien qui faisait des compo avec des drum machines, filtres vocaux et synthés en prédominance. C'est le genre de Son, datant de cette décénie, qui a le mieux vieillit. Les textes par contre... on prit un coup de vieux. L'engouement pour tout ce qui était vaguement futuriste en 1984, sonne aujourd'hui quasi humoristique. Sur "Accélérateur" par exemple, on peu entendre:

"Il roulait dans sa corvette...on dirait qu'il pilote une stéréo cassette"
"Au fond de la galaxie, on est allé faire peur à E.T."
"...et dans une boule de crystal, on a fait l'amour astral toute la nuit"

Aussi ridicule que ça puisse parraître, traduisez n'importe quel texte de groupe britannique/étas-unien de la même époque et vous obtiendrez sensiblement la même chose. Ne soyons pas plus dur envers nos artistes qu'envers ceux de l'étranger.

MP3: Accélérateur / Belgazou 1984

Céphalée / Henri Hamel 1974

2008-09-16T05:02:00.016-04:00

À part pour ce disque, le compositeur et arrangeur Henri Hamel (à gauche sur la photo) n'a pas fait beaucoup jaser de lui.

Fait en collaboration avec Vic Angelillo (à droite), l'album "Complicité" semble avoir été une sorte d'étalage de leurs talents d'arrangeurs. On y entend plusieurs pièces composées pour (et chantés par) différents artistes: Claude Léveillé, Jacques Yvart, Léo Monast, Marie Colette, Ranee Lee, Yolanda Lisi.

Mais selon moi, les pièces les plus intéressantes (comme toujours) sont les pièces instrumentals. Céphalée est peut-être la meilleure des quatres. On peut entendre sur Céphalée: des violons, de la basse, de la trompette, un Flugelhorn mais surtout un piano électrique. Le piano est vraiment l'instrument vedette de cette pièce. Joué avec adresse par Gérard Hérbert, on devine qu'il est l'instrument préféré de Hamel (il en joue d'ailleurs sur une autre pièce de l'album).

On a affaire à du Jazz des années 70. Ce type de Jazz laisse peu de gens indifférent. Beaucoup de ce Jazz à mal vieillit. Pour les oreilles d'aujourd'hui, on associe souvent ce Jazz à de la "musique d'ascenseurs", de "centre d'achat" ou de "mise en attente téléphonique". Soit on aime soit on déteste.

MP3: Céphalée / Henri Hamel

P.S. Spécial / Roger Simard 1977

2008-09-08T17:17:00.012-04:00

Roger Simard est un des batteur Québécois les plus connus des années 60-70. Tout comme Guy Nadon, il a surtout fait dans le Jazz. Son album le plus connu est certainement celui 1973 sur l'étiquette Radio-Canada dans la série Jazz Canadiana. Celui-ci se nomme "Encore" et date 1977.

Un peu moins connu et kitsch par moment, "Encore" mérite malgré tout notre attention. Des pièces comme, "Messe des morts" ou "P.S. Spécial" sont d'excellentes compo originales.

Sur "P.S. Spécial" par exemple, c'est vraiment la basse qui supporte toute la structure. De la part d'un batteur, on est étonné d'entendre une telle compo. La batterie est top, mais ne fait qu'accompagner (aucun solo... à part si l'on compte l'intro de 8 sec.). Il y a aussi une section cuivre qui vient ponctuer le tout. Mais disons que la basse est définitivement l'instrument qui nous fait taper du pied... et qui sonne Funky.

C'est peut-être un Funk moins spectaculaire que certaines autres compo de Simard (sur Jazz Canadiana), mais "P.S. Spécial" reste selon moi un petit bijoux négligé.

MP3: P.S. Spécial / Roger Simard

L'amour est bleu / Donald Seward 1969

2008-08-18T14:28:00.010-04:00

Donald Seward était clavieriste dans le groupe Yéyé "César et les Romains". Il a fait deux disques instrumentals en solo. Les deux date de 1969. Il y a quelques compo originales (ou du moins d'artiste québécois) mais les disques sont surtout constitué de "cover" étrangère. Le son est très orgue à Go-Go (similaire à l'album de Nicky Lee et les Playboys).

Il y a une pièce sur ce disque ou Seward ni joue pas de l'orgue: "L'amour est bleu" de Vicky Leandros. Très minimaliste, mais très efficace. Écoutez ce qu'il arrive à faire avec un Piano et une batterie.

MP3: L'amour est bleu / Donald Seward

Opus aux puces / Luc Cousineau 1976

2008-08-12T12:31:00.010-04:00

Rien de très rare, mais ce disque de Luc Cousineau est clairement le plus sous estimé d'entre tous.

Sur cet album (sans titre), il y a bien sûr la pièce "vivre en amour", qui fut tube à l'époque, mais sinon le reste des chansons est vraiment resté dans l'ombre trop longtemps. L'ignorance du grand publique ET des mélomanes face à ce disque me sidère. Celle du grand publique est sûrement dû au fait que l'album brun (comme on l'appelle parfois) est instrumental. Mais l'ignorance des mélomanes...

Les albums instrumentaux au Québec sont rare et l'idée d'en faire un n'aurait pu tomber dans meilleure tête que celle de Luc Cousineau.

C'est en 1975, après avoir fondé sa maison de disque Airedale (dont le logo est la tête du chien que l'on voit sur la pochette), que Cousineau commença la production de ce disque instrumental. J'ignore si le but premier était de faire un disque de Library; mais en tout cas il y a deux pièces (Valse de la Baie James I & II) qui auraient été utilisés comme thème de plusieurs génériques d'émissions d'affaires publiques à l'époque (radio & télé). Ces pièces sont d'inspiration folklorique latino américaine. Assez accrocheuse mais, rien comparé au reste de l'album.

Les pièces les plus mémorables sont de loin les pièces funk/soul (Opus aux puces, Marie-Madeleine, Vaya mulata). Cet album contient aussi ce qui est peut-être la première pièce Reggae au Québec (Pour un moment).

Aidé de Jimmy Tanaka aux arrangements, tout ces compo sont de l'artilleries lourdes. J'irais même jusqu'a dire qu'elles font de cet album le 2ième meilleur album funk québécois (après la trame sonore de "Après Ski" de Jacques Crevier). Psyquébélique vous offre la pièce Opus aux puces.

MP3: Opus aux puces / Luc Cousineau

Jalousie / Roger Pilon 196?

2008-08-12T12:03:00.008-04:00

Roger Pilon est un compositeur/arrangeur Jazz un peu oublié. Dans les années 60 ils a fait quelques 45t, dans les années 70 des disques de "cours de danse" et des arrangements pour divers chanteurs/euse. Plus récemment (en 2000) il a sorti un CD "Noël rock'n'roll avec l'ensemble Roger Pilon". Ce disque inclu plusieurs excellente pièces... sans farce !

Selon moi le meilleur disque de Roger Pilon reste par contre, celui de la série "Stereo Percussion". Sortit quelque part dans les années 60 (aucune date); il ne contient aucune compo originale mais vaut le détour juste pour les réarrangements presque humoristique de Roger Pilon.

Sur la pièce "Jalousie" par exemple, écoutez les voix acapella qui sonnent très 60's italiennes. Les cuivres & vibraphone donnent des airs Jazz-Lounge. Puis y a cet orgue un peu Kitsch. De toute beauté

MP3: Jalousie / Roger Pilon

DJ pendant les Francofolies de Montréal

2008-07-30T19:43:00.006-04:00

Je serai DJ pendant les Francofolies de Montréal jeudi le 24 juillet et vendredi 1 Août. Ce sera au Bar le Cheval Blanc de 22h à 2h. Vous y entendrai un set de Rock, Funk, Garage, Électro. Tout ça en français.

C'est chaud / Chiffon 1982

2008-07-30T10:40:00.019-04:00

Voici un groupe qu'un lecteur m'a fait découvrir (merci Alan).

Chiffon est un des rares groupes Québécois des années 80 à avoir fait de l'électro. Pour ceux qui l'ignore, cette décénnies a été est une période creuse artistiquement au Québec (crise économique, morosité post Référendum). La quantité ET la qualité des groupes ont diminués drastiquement. Beaucoup des groupes très populaires dans les années 70 ont simplement arrêtés de produire dans les années 80.

L'électro, New Waves ou le Synth Pop sont des styles nées dans les 80 (ou du moins, surtout associé à cette décénnie), et la conjoncture à fait en sorte que peu de groupe Québécois s'y adonnèrent. Chiffon est exemple un typique de ceux qui ont "essayés" de suivre la vague à l'époque ou l'industrie musicale était en profonde restructuration.

Il s'agit en fait d'un petit groupe à géométrie variable, actif de 1980-84 et qui ne semble pas vraiment avoir eu de leader ou de maison de disques. Ce groupe n'a produit que cinq 45t. Chacun n'incluaient qu'une seule pièce (le côté B étant toujours instrumental). Une des compo ("Stand by") est d'un certain P. Mailloux sur l'étiquette Paroles et musique. Deux autres ("Roméo"et "Sayonara") de Michel LeFrançois sur Gamma. Et finalerment deux autres compo (État de choc, C'est chaud) sont de Germain Gauthier sur l'étiquette Pro-Culture.

Les deux compo de Germain Gauthier sont les plus clairement électro et vraiment les meilleures. La seule autre constance est au chant. Une certaine Lise Grégoire chante sur au moins 4 des 5 pièces de Chiffon. Psyquébélique vous offres les deux versions de la pièce "C'est chaud".

MP3: C'est chaud / Chiffon

Les Jésuites / Luc & Lise Cousineau 1971

2008-07-19T07:03:00.022-04:00

En cette période du 400ième anniversaire de la ville de Québec, voici ma modeste contribution.

"Tout le monde est heureux" de Luc et Lise Cousineau est un album concept assez particulier. Il s'agit en fait d'un disque dédié à l'histoire du Québec (époque de la Nouvelle-France). Particulier aussi parce que les textes (et l'illustration sur la pochette) ne sont pas des Cousineau mais de Léandre Bergeron et Robert Lavaill.

Ce duo (historien/dessinateur) avait sortit la même année une BD nommée "L'histoire du Québec illustrée" vol 1 (le vol.2 paraîtra en 1973). Cette oeuvre de vulgarisation historique, présentait une version de l'histoire du Canada bien différente de celle des manuels d'histoire officiels de l'époque. L'album de Luc et Lise Cousineau est en somme une extension musicale de cette BD et de ce désir de rendre l'histoire "populaire". En 1994 les deux volumes de "l'histoire du Québec illustrée" ont été réuni et réédité en une seule grosse BD aux éditions Balzac. Psyquébélique vous recommande d'y jeter un coup d'oeil.

Mais revenons à "Tout le monde est heureux". Deux ans après leur album "Les ALEXandrins...et... / Double Jeu" 1969, Les Alexandrins étaient devenus "Luc et Lise Cousineau". Luc Cousineau (à la composition) poursuit sur un élan rock amorcé sur l'album précédent (Laisse un temps à l'amour).

En écoutant des pièces comme "La chanson à boire des sauvages" et "Les Jésuites", un son sale et fuzzé saute tout de suite aux oreilles. La pièce "Les Jésuite" par exemple, est possiblement la chanson québécoise ayant l'attaque le plus spectaculaire. C'est plein gaz dès le départ avec de la distortion guitare. Il y a aussi un choeur qui donne des airs grandiose à la pièce.

Ce serait un excellent album si ce n'était que des textes, mais avec les arrangements de Luc Cousineau en plus; on a affaire à un classique... malheureusement un peu oublié

MP3: Les Jésuites / Luc & Lise Cousineau

Acropolis 7844 / Stage Band St-Luc 1975

2008-07-14T09:14:00.012-04:00

Une amie m'a fait découvrir ce 45t l'année dernière (Merci Marie).

Stage Band St-Luc est un autre de ces groupes para-scolaires au sonorité Jazz/Funk. Comme j'en avais parlé avec 1001 est Crémazie, certains enregistrements scolaires des années 70 sont surprenement funky. Souvent c'est le genre disque qui ont l'air de rien en surface en plus.

Le Stage Band en question, était celui de l'école secondaire St-Luc du quartier Notre-Dame-de-Grâce de Montréal. "Acropolis 7844" est le côté B de ce 45t (le côté A est un Cha cha ?!?). D'après mes recherches, la pièce semble être un standard Jazz. Ici par contre elle fut interprèté par un orchestre de cuivre au sonorité funk. Le résultat est un Son qui groove à la manière des trames sonores "Blaxploitation". Par moment on dirait même le Ville Émard Blues Band à cause de la quantité de musiciens.

Je m'excuse d'avance pour la qualité de l'enregistrement, le disque est assez magané.

***NOUVEAU*** Un des membres du groupe m'informe que l'enregistrement aurait eu lieu à "Terre des hommes" en 1975, qu'il y aurait eu deux 45t et que le nom de l'étiquette de disque (Riobert) serait une fusion des prénoms du professeur de musique et de sa femme (RIna rOBERT Jodoin). Merci p

MP3: Acropolis 7844 / Stage Band St-Luc 197?

Folk l'or / Hibou 1976

2008-07-07T10:03:00.014-04:00

Voici une autre obscurité. Petit groupe, petit étiquette, petit disque.

L'homme derrière ce micro groupe (Hibou) est Claude Amesse. Compositeur pas très connu ayant été actif +ou- 1972-82 (selon l'info recueilli sur Disc-O-Logue). Le 45t n'est pas daté, mais le 12" indiquerait 1976 selon un lecteur.

"Folk l'or" est une pièce plus drôle que bonne, mais avec tout de même une touche Funky. Le concept de la chanson est un medley de chanson traditionnel Québécoise version funky. Le choix d'instruments et d'arrangements est excellent. Malheureusement on reconnait presque tout les extraits et ce "zappage" d'une pièce trad. à une autre fini par lasser à la longue. Peut-être que des mélomane de d'autre pays apprécieront d'avantage (puisque qu'ils ignore ces airs archi-connu ici).

C'est tout de même une sympathique curiosité. Psyquébélique vous offre la version instrumentale (qui s'endure mieux).

MP3: Folk l'or / Hibou

PSYQUÉBÉLIQUE pendant le Festival de Jazz

2008-06-29T21:35:00.004-04:00

Pendant le festival de Jazz de Montréal, je serai (cette année encore) DJ au Cheval Blanc. Je ferai deux set de Jazz de 6 à 8: vendredi le 27 juin et vendredi le 4 juillet. Vous pourrez y entendre du Jazz, Funk, Soul & Afrobeat; Québécois et d'ailleurs.

Avis aux intéressé.